O temă eternă în artă. Teme eterne în artă și literatură Ce teme în artă sunt eterne

Operele de artă captează invariabil (prin voința autorului sau independent de acesta) constantele ființei, proprietățile ei fundamentale. Acestea sunt, în primul rând, principii (universale) universale și naturale precum haosul și spațiul, mișcarea și liniștea, viața și moartea, lumina și întunericul, focul și apa etc. Toate acestea constituie un complex de teme ontologice ale artei.

În plus, aspectul antropologic al temelor artistice este invariabil semnificativ și neobișnuit de bogat. Ea include, în primul rând, principiile spirituale reale ale existenței umane cu antinomiile lor (înstrăinare și implicare, mândrie și smerenie, disponibilitate de a crea sau de a distruge, păcătoșenia și neprihănirea etc.).

În al doilea rând, sfera instinctelor asociate cu aspirațiile mentale și fizice ale unei persoane, cum ar fi libidoul (sfera sexuală), setea de putere, atracția pentru bogăția materială, lucruri de prestigiu, confortul etc. În al treilea rând, în oameni, ceea ce este determinat de genul (masculinitate, feminitate) și vârsta lor (copilărie, tinerețe, maturitate, bătrânețe).

Și, în sfârșit, în al patrulea rând, acestea sunt situații supraepocale ale vieții umane, forme de existență umană stabile istoric (muncă și petrecere a timpului liber, viața de zi cu zi și sărbători; conflicte și principii armonioase ale realității, viață pașnică și războaie sau revoluții; viața în casă și ședere pe un ținut străin sau călătorii; activități civile și viața privată etc.). Astfel de situații constituie sfera acțiunilor și eforturilor, adesea căutărilor și aventurilor, aspirațiile unei persoane de a atinge anumite obiective.

Principiile existențiale numite (și rămânând nenumite), care intră în artă, constituie un complex bogat și multifațetat de teme eterne, dintre care multe sunt „arhetipale”, datând din antichitatea rituală și mitologică (arhaică). Această fațetă a creativității artistice este moștenirea tuturor țărilor și erelor. Apare fie ca centru explicit al lucrărilor, fie este prezent în ele latent, fie chiar rămâne inconștient de către autori (subtext mitopoetic).

În apelul său la teme eterne, arta se dovedește a fi asemănătoare și apropiată de filosofia și de învățăturile orientate ontologic despre natura umană (antropologie). Refracția constantelor existențiale în artă a devenit subiectul unei atenții atente de către filozofii epocii romantice, precum și de către oamenii de știință ai școlilor mitologice Grimm din Germania, F.I. Buslaev în Rusia) și cele neomitologice. (N. Fry), critica de artă psihanalitică, cu accent pe lucrările lui Z. Freud și C. G. Jung.

Recent, au apărut o serie de lucrări serioase care explorează implicarea arhaismului mitologic în creativitatea literară a epocilor apropiate nouă (lucrări ale lui G.D. Gachev, E.M. Meletinsky, Smirnov, V.I. Tyupa, V.N. Toporov). Generalizările teoretice ale D.E. merită o atenție deosebită. Maksimova.

Afirmând importanța enormă a universalelor care datează din arhaic pentru literatura de toate epocile, omul de știință a vorbit în același timp despre „tradiția mitopoetică” în literatura secolelor XIX-XX. ca un fenomen local, necuprinzător. Această tradiție, spune D.E. Maksimov, se întinde de la Divina Comedie a lui Dante și poeziile lui Milton până la Faust de Goethe și misterele lui Byron; devine mai activă după Wagner, în special în simbolism.

Omul de știință nu este de acord cu ideea larg acceptată a mitologismului total al artei și literaturii: „Nu se poate aprobă fantezia literară nestăpânită în interpretările mitologice ale operelor de artă moderne, pe care oamenii de știință serioși și erudici sunt adesea purtati de .” Această judecată, în opinia noastră, este complet corectă. Începutul actual mitologic și mitopoetic și (mai larg) sfera universalurilor existențiale (cu toată importanța ei) departe de a epuiza ceea ce este cunoscut și stăpânit artistic. Aceasta este doar o fațetă a subiectului artei.

V.E. Khalizev Teoria literaturii. 1999

Teme eterne

Idee artistică și pedagogică:

Artă adevărată niciodată
nu se mulțumește numai cu el însuși;
nu este un scop în sine,
în scopul producerii sunetelor,
scop - lucrări - muzică,
Scopul muzicii este spiritualitatea.
Și un articol autentic
iar subiectul artei este Omul.
A. Schnittke.

Scopul lecției:

Percepția școlarilor și conștientizarea muzicii ca întruchipare figurativă a valorilor umane universale, experiența socială și spirituală a generațiilor.

Sarcini:

Consolidarea cunoștințelor despre sinteza genurilor muzicale (Rock Opera);

Dezvoltați o percepție emoțională a muzicii.

Pentru a cultiva capacitatea de a vedea frumusețea puterii spiritului și a puterii iubirii, capacitatea de a simpatiza și a simpatiza.

Material muzical:

E. L. Webber „Isus Christ Superstar”.

Aria „Rugăciunea pentru cupă” (în engleză și rusă)

K. Kelmi „Închiderea cercului”.

Material artistic:

I. Kramskoy „Hristos în deșert”.

N. Ge „Hristos și Pilat”.

Dionisie „Răstignirea”.

L. Da Vinci „Cina cea de Taină”.

Prezentarea în diapozitiv a lecției.

Planul lecției:

	Pașii lecției
	Crearea unei situații de căutare a problemei
	Ascultând aria lui Isus în grădina Ghetsimani în engleză.
	Discuție despre imaginea muzicală
	Consolidarea cunoștințelor despre sinteza genurilor în muzică
	Ascultând aria lui Isus în grădina Ghetsimani în rusă.
	Analiza întrupării imaginii artistice a lui Isus Hristos în literatură, pictură, muzică.

	Interpretarea piesei lui K. Kelmi „Closing the Circle”
	Reflecţie

Nu vă fie teamă să spuneți cuvinte calde

Și să faci fapte bune

Cu cât pui mai multe lemne pe foc

Cu cât se va întoarce mai multă căldură

Omar Khayyam

În timpul orelor

U: - Bună ziua. Băieți, ce vedeți în poza asta?

U: - Ce este un castron, dați o definiție acestui obiect.

D: - Ceva ce se poate umple, din care se bea etc.

U: - Dicționarul lui Ozhegov spune: „O ceașcă este un vas pentru băut”. (Diapozitivul nr. 2)

Să ne amintim afirmațiile în care este folosit acest cuvânt. (După ce copiii și-au dat exemplele, oferiți afirmațiile enumerate pe diapozitivul nr. 3).

U: - Cum înțelegeți afirmațiile enumerate mai jos?

Bea o ceașcă amară (experimentează nenorociri).

Paharul răbdării este plin (este imposibil de mai îndurat).

Casa este o ceașcă plină (în casă este belșug, e mult de toate).

Bea paharul muritor (mor).

Cântarul este înclinat într-o direcție (se ia o decizie sau alta).

Pe baza acestor afirmații, putem ajunge la concluzia că vasul nu este umplut cu lichid, ci continutul vietii.

Există o vorbă foarte înțeleaptă în India:

Dacă vrei să cunoști o persoană, lovește-l

Omul este un vas

cu ce este umplut va începe să se reverse din el

Ascultă o piesă muzicală. Cu ce este plină paharul acestei persoane?

(Sună „Aria lui Isus în grădina Ghetsimani” (în engleză). 5.20)

U: - Cum vezi imaginea unei persoane în muzică?

D; (Omul suferă, sufletul îi este neliniştit, pare că ţipă de disperare).

U: - Crezi că această muzică este clasică sau modernă? În ce stil poate fi clasificat?

D: Cel mai probabil, această muzică a fost scrisă pe vremea noastră. În ceea ce privește stilul, piesa interpretată poate fi clasificată ca muzică rock.

U: - Ai dreptate. S-a jucat un fragment dintr-o operă rock.

Nu ți se pare ciudată această combinație? Opera rock. Ce, în opinia dumneavoastră, poate uni două direcții atât de diferite în muzică? (Slide numărul 4).

D: - Dorința compozitorilor de a face arta operei accesibilă ascultătorilor moderni.

U: Opera este un spectacol muzical care se dezvoltă după propriile legi. În ciuda faptului că opera a apărut în secolul al XVI-lea, ea era în continuă schimbare, era variată și comică, satirică și tragică. Cu decorațiuni luxuriante și costume modeste pe scena străzii. Nu cu mult timp în urmă am ascultat opera „Rigoletto”, unde povestea era despre ducele desfrânat, deșarte, frivol și anturajul său. Iar muzica rock este o modalitate de a exprima problemele societății.

Într-adevăr, Rock a devenit o modalitate de a exprima anumite stări ale tinerei generații, atitudinea lor față de viața din jur și problemele acesteia. Mulți indivizi străluciți, oameni talentați din punct de vedere poetic și muzical au venit la rock. Au căutat să găsească oportunități muzicale pentru a dezvălui conținut rock.

Căutarea unor noi mijloace de exprimare i-a condus pe muzicieni la utilizarea creativă a altor direcții ale trecutului și prezentului, inclusiv clasicii muzicali. Legătura cu opera ocupă un loc aparte. La urma urmei, opera este un teatru, o acțiune, iar rockul, cu felul său de interpretare și diverse efecte decorative și luminoase, gravitează spre teatru. Cea mai importantă calitate a operei rock este unitatea internă a muzicii și acțiunii dramatice.

T: Astăzi, la clasă, am auzit un fragment din opera rock „Jesus Christ Superstar”. Montată în 1971 pe Broadway, a devenit o adevărată senzație a sezonului de teatru din New York, marcând pe deplin nașterea unui nou gen. (Diapozitivul nr. 5)

U: - Cărui erou crezi că îi aparține această arie?

Iisus Hristos - care are scopul de a salva oamenii de rău, dar în cele din urmă se dovedește a fi o victimă

Iuda - un trădător, dar care trădează de dragul mântuirii lui Hristos însuși și a cauzei sale

Pontiu Pilat - care pedepseşte împotriva voinţei sale

Regele Irod- care întruchipează toate viciile posibile.

D: - Cel mai probabil, Iisuse Hristoase. În muzică puteți auzi povestea unei persoane care suferă; muzica este plină de durere și disperare.

U: - Ce știi despre viața acestei persoane? Cum iti apare el?

D: - Acesta este un om - fiul lui Dumnezeu, care a venit pe pământ pentru a salva oamenii.

T: - Ce evenimente crezi că sunt spuse în această lucrare?

D: - Despre ultimele zile ale vieții lui Isus Hristos.

T: - Câți ani avea Isus când s-au întâmplat aceste evenimente?

D: - 33 de ani. Era un tânăr, plin de energie, motiv pentru care poate nu voia să moară.

Drama lui Isus, mersul la tortură și execuție în numele fericirii oamenilor, trădarea lui Iuda, renunțarea la iubitul său discipol - Petru, figura lui Pilat - guvernatorul roman al Iudeii, ducând un proces nedrept, mulţimea respingându-şi profetul şi condamnându-l la moarte. Toate aceste evenimente și imagini ale tradiției Evangheliei, pline de tragedie înaltă și semnificație umană profundă, au atras de mult timp și continuă să atragă atenția compozitorilor și scriitorilor.

U: - Mulți artiști l-au înfățișat pe Iisus Hristos pe pânzele lor. Iată un vizual:

1. Dionisie. Răstignire.1512

2.N.N. Ge Christ și Pilat 1890

3. Leonardo da Vinci. ultima cina

4.I.Kramskoy. Hristos în deșert

U: Să ascultăm din nou scena „Praying for the Cup” și să stabilim cu ce imagine este în ton această muzică? Ascultă, ce sentimente și gânduri sunt pline de aria lui Hristos? (Aria „Rugăciunea pentru cupă” sună în rusă). (Folderul „Muzică”) 5.20.

U: - De ce sentimente este plin? Cum este structurată aria lui Isus?

D: - La început muzica sună liniștită, lirică, apoi tensiunea crește, ajungând uneori până la un strigăt de disperare, dar apoi totul îngheață și melodia originală sună din nou. Dar ea este plină de încredere, Isus a luat o decizie, iar această încredere se simte în muzică, sunetul devine mai puternic.

U: - Cui se adresează?

D: - Lui Dumnezeu, părintelui. Hristos întreabă: „De ce să mor?” Nu vrea să moară, dar înțelege că trebuie să îndeplinească ceea ce este determinat de soartă.

U: - Privește cu atenție. Cu ce imagine este în consonanță muzica? (Diapozitivul nr. 6)

Analizând întruchiparea artistică a imaginii lui Hristos în muzică, pictură și Biblie. Băieții ajung la concluzia că pictura lui I. Kramskoy „Hristos în deșert” este mai în ton cu muzica. (Diapozitivul nr. 7)

Adânc singur, așezat pe fundalul unui peisaj părăsit, stâncos, ajungând într-o gândire profundă, Hristos este perceput ca un simbol al pregătirii de a se sacrifica în numele unui scop mai înalt.

U: - Creatorii operei, (Diapozitivul nr. 8) erau foarte tineri (compozitorul Lloyd Weber are 23 de ani, autorul libretului Tim Rice are 26 de ani).

De ce credeți că la mijlocul secolului XX, în epoca progresului tehnologic rapid, a tehnologiei spațiale, a descoperirilor științifice, oamenii foarte tineri s-au orientat către această temă?

D: - Am găsit în rugăciunile creștine idealul de puritate, abnegație și iubire frățească. Calea spre reînnoirea spirituală a unei societăți înfundate în lăcomie, egoism și egoism. (Diapozitivul nr. 9).

„Noi îl vedem pe Isus nu ca pe Dumnezeu, ci ca pe un om care a fost la locul potrivit la momentul potrivit”, a spus Tim Rice într-un interviu pentru Time. Sarcina noastră este să spunem povestea lui Isus omul. Cred din acest unghi. măreţia lui nu face decât să crească" .

Ultima scenă sugerează că în fața noastră s-a desfășurat un spectacol de teatru. O performanță pe o temă care în artă este numită „eternă” - despre dragoste, prietenie, trădare, sacrificiu. Acest subiect este numit „etern”, deoarece îi face pe oameni din toate epocile și toate vârstele să gândească și să reflecte.

Au trecut mai bine de 40 de ani de la crearea operei rock „Isus Christ Superstar”, dar și astăzi această lucrare rămâne solicitată de ascultători.

Să revenim la primul nostru slide și toată lumea va încerca să-și umple paharul cu emoții, sentimente care au apărut în tine.

D: - bunătate, compasiune, dragoste, milă

Acesta este probabil motivul pentru care ne întoarcem și astăzi la imaginea lui Isus Hristos.

Zabelin Vladislav „Dumnezeu să ne dea”

1.Doamne dă-mi puțin mai mult
Fericire și iubire
Și prieteni buni
Pentru a nu ne dezamăgi

Ex: ferestre largi noaptea
Îl voi deschide și mă voi ruga
Stelele vor zâmbi din cer
Și tristețea va dispărea
Stelele vor zâmbi din cer
Și tristețea va dispărea

2. Dumnezeu să ne dea să fim mai înțelepți
Și fii mai puternic
Să fie unul pe altul mai buni
Învață să iubești

Lista de referințe și resurse de pe Internet.

Gavrilov A. Ce este rock? //Muzica și tine nr. 8, 1989.

Zakirova G.Ya. Genuri muzicale moderne. //Muzica la scoala nr.1, 2005.

Koltsova O.M. Opera rock „Isus Christ Superstar”. //Muzica la scoala nr.3, 2004.

Konovalov I. La originile operei rock. // Muzica și tu nr. 3, 1990.

Orlova E. V. Despre problema relației dintre tradițiile artistice orientale și occidentale în muzica secolului al XX-lea. //Muzica la scoala nr.6, 2004.

Prokoshin Yu.S. Opera americană a anilor 80 ai secolului XX. //Muzica la scoala nr.3, 2004.

Raigorodsky B.D. Ce poate face muzica. //Muzica la scoala nr.4, 2004.

Enciclopedia „Arta”. M.: Avanta, 2001. volumul 7, partea 3.

CD „Cyril și Mythodiy”

Teme eterne de artă și viață

Scop: prin comunicarea cu diferite opere de artă, încercați să înțelegeți că limbajul artei nu se schimbă în timp și că se bazează pe valori spirituale dezvoltate de umanitate.

Sarcini:
Forma lecției: lecție de reflecție.

Echipament: portrete ale lui J. S. Bach, B. Grebenshchikov, F. da Milano, lumânare, fotografii ale orgii, flacără lumânării, reproduceri de picturi (T. Gainsborough „Doamna în albastru”, A. Venetsianov „La recoltă”, B. Kustodiev „Soția comerciantului la ceai”), tablă interactivă.

Scriptul lecției

„Ideile se schimbă, dar inima rămâne aceeași.”

F. M. Dostoievski

1. moment organizatoric

Salutarea elevilor. Pregătește-te de lucru.

– Astăzi avem o lecție neobișnuită - o lecție de reflecție. La ce ne vom gândi? Să ne ajute zicala „Ideile se schimbă, dar inima rămâne aceeași”, care aparține scriitorului rusXIXsecol la F. M. Dostoievski.(Declarația și portretul scriitorului sunt pe ecranul tablei interactive.) Cum înțelegi aceste cuvinte? (răspunsurile copiilor)

– Într-adevăr, anii trec, epoci întregi zboară, generații de oameni se schimbă, dar rămân sentimente de bunătate, speranță și credință, care ajută în momentele dificile. Și nu contează când a trăit artistul – cu mulți ani în urmă sau astăzi. Dacă este un adevărat maestru, va crea o lucrare care va entuziasma multe generații de oameni, aducându-le „consolare și sprijin”. Vom întâlni opere de artă create în diferite epoci și vom încerca să înțelegem modul în care acestea îi influențează pe contemporanii noștri și, prin urmare, pe tine și pe mine.

Ascultând muzică „Orașul de aur”

Conversaţie.

– Ați recunoscut muzica care a fost cântată chiar de la început? („Orașul de aur” de B. Grebenshchikov, F. Canova da Milano)

(Afișarea portretelor lui F. Canova da Milano și B. Grebenshchikov pe tabla interactivă.)

– Despre ce este acest cântec? (despre un oraș ideal unde nu există rău, violență, unde este multă lumină)

– Care este caracterul locuitorilor acestui oraș? (aceștia sunt oameni blânzi, visători, simpatici)

– Să interpretăm cântecul și să încercăm să exprimăm cu adevărat intonația autorilor.

(Performanța melodiei „Golden City.”)

– Ai primit imaginea melodiei? (am încercat să transmitem imaginea de Frumusețe, Bunătate, Tandrețe)

– Și dacă această muzică ne-a atins chiar și puțin în suflet, atunci nu a fost creată în zadar. Ea devine „confort și sprijin” pentru noi.

– De ce muzicianul rock modern Boris Grebenshchikov a apelat la melodia muzicianului finaluluiXVIsecolul Francesco da Milano? (acesta a fost un fel de rudenie a sufletelor; în diferite ere, creatorii de artă au căutat să găsească acea sursă de lumină care să-i ajute pe oameni să depășească dificultățile pe calea vieții lor)

– Probabil, un astfel de maestru care a ajutat oamenii să capete încredere în abilitățile lor a fost compozitorul Johann Sebastian Bach.(Pe ecran este un portret al lui J. S. Bach.)

– Îți amintești ce țară l-a dat lumii pe Bach? (Germania)

– Uite: Bach este complet diferit de contemporanii noștri - atât hainele, cât și coafura lui sunt diferite. Compozitorul a trăit cu mult timp în urmă - acum mai bine de 250 de ani.

– Ei spun că poți înțelege lumea interioară a unei persoane după aspectul său. Crezi că era o persoană frivolă? (elevii vorbesc despre lumea interioară a compozitorului: o privire serioasă, calmă, atentă, probabil exigentă față de ei înșiși și de ceilalți)

– Faptul că era o persoană exigentă este dovedit de faptul că compozitorul și-a scris principalele lucrări deja la vârsta adultă.

Mesaj despre compozitor (sarcină avansată pentru un grup de studenți)

Johann Sebastian Bach, fiul cel mic al lui Johann Ambrosius, s-a născut la Eisenach în 1685, pe 21 martie. A fost muzician de curte la Weimar pentru Ducele Johann Ernst, organist în biserica din Mühlhausen și Weimar și director de muzică de cameră la curtea Marelui Duce Anhaltkethen. În 1723 a fost numit director al corului de muzică din Leipzig.

După ce au ascultat fragmente din biografia compozitorului, studenții observă că viața lui a fost „pe roți”; compozitorul s-a mutat din loc în loc.

În acele vremuri, viața unui muzician era dificilă; căutarea constantă a veniturilor l-a forțat să caute un nou loc de muncă. Biografii au mai spus că compozitorul avea o dispoziție prea independentă și a scris o muzică care nu era „suficient de obsequioasă”. Multă vreme, Bach a lucrat în biserică, însoțind slujba. Prin urmare, a scris multă muzică pentru orgă - un instrument puternic, cu voce tare, al cărui sunet rivalizează cu o întreagă orchestră simfonică.(Pe ecran apare o imagine a unui organ.)

Bach, la fel ca mulți alți oameni, a depășit necazurile unei vieți după altele. Familia lui era alături de el. Bach a venit obosit de la serviciu. Și familia l-a întâlnit în sufragerie la masă, împărtășindu-și impresiile despre ziua trecută. Să ascultăm această conversație.

(Ascultând Preludiul de orgă în mi minor.)

– Care a fost natura conversației? Cum au vorbit între ei? Dialogul a fost calm sau nervos? (au vorbit unul cu celălalt, nimeni nu a întrerupt pe nimeni; vorbire măsurată, calmă)

– Cum ai inteles asta? (muzica sugera: tempo calm, negrabă, dinamică liniștită, vocile au sunat alternativ)

– Despre ce ar putea fi conversația? (răspunsurile copiilor)

– Un astfel de acord în muzică se numește polifonie (din greacă „polifonie”).

(Pe ecran - definiția „polifoniei”.)

– Mama mea, Anna Magdalena, a ajutat să mențină casa caldă. Prima soție a lui Bach a murit, iar Anna Magdalena a devenit o adevărată mamă pentru copii, iar pentru Bach însuși, un prieten care l-a ajutat să depășească dificultățile. Compozitorul i-a dedicat muzica Annei Magdalenei - un fel de scrisoare de recunoaștere.

(Scherzo din Suita nr. 2 de J. S. Bach sună.)

După ascultare, elevii își împărtășesc impresiile, acordă atenție dispoziției, mijloacelor de exprimare și instrumentului solo cu o voce blândă - flaut.

(Pe ecran există o imagine a unui flaut.)

(Pe ecran - definiția „homofoniei”.)

– Cum ai numi această muzică? (fluture, glumă, nor, fluturare) De ce? (răspunsurile copiilor)

– Bach însuși a numit-o „Scherzo”.(Pe tablă există un cuvânt nou „scherzo”.)

– Scherzo înseamnă „glumă” în italiană. La vremea compozitorului, numele muzicale erau de obicei date în italiană, deoarece muzica profesională a apărut în Italia.

– De ce crezi că compozitorul și-a numit muzica așa? (răspunsurile copiilor) Poate pentru că voia să-și vadă soția și copiii zâmbind, uitând pentru o clipă de necazurile vieții.

În continuare, elevii sunt împărțiți în grupuri. Fiecare grup primește foi de hârtie și markere. Ei sunt invitați să înfățișeze muzica „Scherzo”, să-i simtă pulsul, mișcarea melodiei. Tot pe ecranul tablă, unul/doi elevi arată pulsul muzicii. După finalizarea sarcinii, are loc o discuție despre munca finalizată. Fiecare grupă își apără proiectul și analizează munca elevilor la consiliu. În continuare, băieții ajung la concluzia că muzica se mișcă constant, purtându-ne imaginația împreună cu ea.

După aceasta, elevii sunt rugați să se uite la portretele feminine și să stabilească care dintre imagini se apropie cel mai mult ca intonație de muzica Scherzo.

(Pe ecran sunt portrete feminine: femei țărănești (A. Venetsianov „La recoltă”), femei negustoroase (B. Kustodiev „Soția negustorului la ceai”), femei nobile (T. Gainsborough „Doamna în albastru”).

Copiii reflectă asupra imaginilor. „Doamna în albastru” are un zâmbet trecător, abia vizibil, ușor, grațios, asemănător ca intonație cu „Scherzo”. Nu este o coincidență, deoarece ambele lucrări au fost create aproximativ în același timp, înXVIIIsecolul, pe care contemporanii l-au numit „Epoca Galanta”. De aceea gluma este elegantă, subtilă, puțin ascunsă, inteligentă.

– Crezi că această muzică poate fi numită contemporană pentru noi? (este posibil, pentru că Bach și-a exprimat sentimente sincere pentru familia sa, iar noi am înțeles asta; dar în zilele noastre aceste sentimente sunt exprimate mai deschis)

– Ce te-a atras cel mai mult la muzica lui Bach? Poate te-a ajutat într-un fel? (muzica vă ajută să ascultați cu atenție interlocutorul, să vă tratați unul pe altul cu mai multă atenție și amabilitate)

– Într-adevăr, muzica ajută o persoană să rămână amabilă și receptivă față de oamenii din jurul său.

– Amintiți-vă că, atunci când membrii familiei Bach se întâlneau după o zi grea, stăteau în jurul unei mese rotunde, aprindeau lumânări și vorbeau despre treburile lor zilnice. Cu ce sentimente? (cu bunătate, respect, sinceritate, blândețe)

– Să ne aprindem lumânarea și să ne imaginăm că aceasta este o bucată din flacăra focului care a încălzit familia Bach.

(Lumânarea este aprinsă și o imagine a flăcării unei lumânări apare pe ecran.)

Este interpretată melodia „Lumânări” (autor M. Zvezdinsky).

– Uitați-vă unul la altul, simțiți-vă. S-a făcut mai cald? Asta înseamnă că eforturile noastre cu tine nu au fost în zadar.

– În timpul lecției, noi înșine am simțit cum muzica, chiar și muzica veche precum cea a lui Bach, ne transformă viața prin noi înșine. Dacă muzica rezonează în sufletul nostru, înseamnă că pentru o clipă devenim mai buni.

– În timpul lecției am văzut diferite opere de artă. În felul lor, autorii ating probleme care îi privesc nu numai pe ei, ci și pe mulți oameni. Ce crezi că au în comun? (răspunsurile copiilor) Ei își exprimă sincer și sincer atitudinea față de viață, folosind diferite culori artistice.

Marele scriitor rus Fiodor Mihailovici Dostoievski a spus: „Ideile se schimbă, dar inima rămâne aceeași”. Într-adevăr, anii trec, oamenii se nasc și mor, dar valorile eterne rămân - Credință, Bunătate, Speranță, Sinceritate, Dragoste...

Tema pentru acasă: scrieți o scrisoare de recunoaștere unei persoane dragi (sub formă de poezie, carte poștală, desen, meșteșug etc.).

Mișcările artistice sunt un sistem de tehnici artistice, mijloace de exprimare, care sunt concepute pentru a exprima o anumită idee, viziune asupra lumii, dominantă într-o anumită comunitate la o anumită perioadă de timp. Stilurile s-au dezvoltat în ultimul mileniu, înlocuindu-se succesiv. Uneori, un nou stil a apărut ca o continuare și dezvoltare a celui precedent, uneori a devenit o consecință a unei lupte cu ideile predecesorului său.

În unele cazuri, este atât de dificil să distingeți un stil încât este mai degrabă clasificat ca o direcție. Astfel, simbolismul și cubismul pot fi clasificate ca un stil format independent sau pot fi considerate direcții ale modernismului cuprinzător.

Fiecare epocă a dat naștere la mai mult de un stil artistic. Studiind operele de artă, puteți cunoaște mai bine perioada în care s-a format și dominat un anumit stil artistic.

Direcții principale în arta secolelor X - XIX

Stilul romanic (secolele X - XIII)

Stilul gotic (secolele XIII - XVI)

baroc (secolele XVI - XVIII)

Clasicismul (secolele XVII - XIX)

Sentimentalism (secolul al XVIII-lea)

Romantismul (secolele XVIII - XIX)

Realism (secolul XIX)

Principalele tendințe în arta secolului XX

Modernism

Simbolism

Impresionism

Suprarealism

S-a dezvoltat în anii 1920 ai secolului trecut și este un stil de forme și aluzii paradoxale, reflectând combinația dintre vise și realitate. În pictură, suprarealismul se reflectă clar în picturile lui Magritte, Ernst, Dali, Matta...

Lecție de muzică „Teme eterne în artă”

Clasa a VII-a 26.01.2015

Subiectul celui de-al doilea semestru al anului: „Compozitorul și timpul”. Modul: „Dramaturgie muzicală”.

Scopul lecției : prin muzică, transmiteți gânduri profunde, durere despre suferința incomensurabilă a oamenilor, dezvăluie lupta dintre două principii: binele și răul.

Sarcini:

Educational: familiarizați-vă cu istoria Marelui Război Patriotic, aflați despre asediul Leningradului și consecințele acestuia; reproduce imaginea războiului în lucrările lui Șostakovici.

Educational: să insufle copiilor sentimente de patriotism și dragoste pentru Patria Mamă; pentru a forma receptivitate emoțională la lucrările muzicale.

De dezvoltare : dezvoltarea capacității de a naviga pe o hartă, de a lucra cu surse; dezvoltarea unei culturi a ascultării, dezvoltarea gustului muzical și estetic.

Tipul de lecție : învățarea de material nou.

Formatul lecției: lecție integrată de muzică și istorie folosind TIC

Lecție dezvoltată folosind tehnologieo abordare integrată a formării și dezvoltării.

Metode:

Modul de organizare a activităților educaționale

Analiza unei situații specifice

Metoda de înțelegere în stil intonațional

Metoda de control și autocontrol

Metoda de imersie

Interacțiune interactivă :

Aplicarea tehnologiilor informatice (secvente video, diapozitive)

Elevii lucrează în microgrupe

Material muzical :

D.D. Şostakovici. Simfonia a VII-a. „Leningradskaya” 1 parte „Episodul de invazie”

Echipamente :
În timpul orelor

I. Moment organizatoric

II. Învățarea unui subiect nou

Epigraf: „Să fie lumină”

în fereastra ta!

(70 de ani de la Marea Victorie

dedicat)

Profesor: - Viața, moartea, nemurirea sunt temele eterne ale culturii spirituale a umanității în toate diviziunile ei. La ei s-au gândit profeți și fondatori de religii, filozofi și moraliști, figuri ale artei și literaturii, profesori și doctori. Viața și moartea, lumina și întunericul, lupta dintre forțele luminii și întunericului, războiul și pacea sunt două entități opuse, două concepte care sunt absolut incompatibile între ele. Destinele oamenilor, acțiunile, decorurile, emoțiile - totul în ei este absolut opus. Toate acestea alcătuiesc cercul eternelor teme ale artei. În muzică, ca și în viață, există și teme eterne.

Băieți, gândiți-vă ce opoziții puteți numi legate de imaginea acestor lumi diferite:

De exemplu, lumea creației, lumea creativității - lumea colapsului, lumea distrugerii, binele-răul

Raspunsurile copiilor:

Sațietate-foame;
Victorie-înfrângere;
Iubire ura;
Curajul-teama siispravă în numele umanității

Lucrările care reflectă „teme eterne” sunt destinate să aibă o viață lungă. Ei continuă să emoționeze mințile, găsind din ce în ce mai multe încarnări noi în teatru, artă plastică și muzică.

Tema „Război și pace” este una dintre temele eterne ale artei. Oamenii au început să lupte în epoca de piatră și încă nu se pot opri. Peste 15 mii de războaie au fost înregistrate și descrise în istoria omenirii!

Profesor: Ce poate fi mai groaznic decât războiul?! Ea aduce doar lacrimi și suferință...

Știm multe despre război, am auzit multe despre el, pentru că Marele Război Patriotic a venit în fiecare casă. Unul dintre cele mai teribile și tragice sate din istorie a fost apărarea Leningradului.

III. Învățarea de materiale noi

Profesor: - Băieți, ce credeți că a determinat alegerea materialului pentru lecția de astăzi? Ce dată ne așteaptă literalmente mâine?

Care va fi scopul lecției noastre?Să dezvăluie lupta dintre două principii: bine și rău, război și pace, să transmită reflecții profunde și durere despre suferința incomensurabilă a oamenilor prin muzică.

Profesor: Și vom face acest lucru folosind exemplul Simfoniei de la Leningrad a lui D. D. Șostakovici.

Înainte de a începe să vorbim despre această lucrare, să ne amintim ce este o Simfonie?

Cum se construiește o simfonie?

Care este baza primei mișcări a unei simfonii clasice? (forma sonată).

(pe tablă - desenați o diagramă a structurii unei părți a formei sonatei).

Care este imaginea muzicală din lucrare?

Ce este dramaturgia muzicală?

Exercițiu : în timp ce ascultați simfonia, caracterizați muzica folosind dicționarele dvs. de emoții (lucrați în microgrupe). Lucrăm pe măsură ce lecția progresează.

Profesor: Pentru a ne introduce subiectul, invit un istoric și critic de artă

Istoricul 1:

În iunie 1941, Germania nazistă a invadat Uniunea Sovietică, iar Leningradul s-a trezit curând sub un asediu care a durat 18 luni și a dus la nenumărate greutăți și decese. Pe lângă cei uciși în bombardamente, peste 600.000 de cetățeni sovietici au murit de foame. Mulți au înghețat sau au murit din cauza lipsei de îngrijiri medicale - numărul victimelor asediului este estimat la aproape un milion.

Critic de artă 1 :

Dar, în ciuda tuturor severității acestui timp, moartea, foamea, frica, oamenii nu și-au pierdut capacitatea de a gândi, visa, crede, spera, crea și compune. Și un exemplu izbitor în acest sens este personalitatea marelui compozitor rus D.D. Şostakovici. Simfonia a șaptea a sa, numită „Leningrad”, este una dintre lucrările muzicale remarcabile ale Marelui Război Patriotic. O parte semnificativă a simfoniei a fost creată de compozitor în toamna anului 1941 la Leningrad, în zilele luptei muritoare cu inamicul. A scris-o într-o casă care era zguduită aproape în fiecare minut de explozii. Șostakovici a spus mai târziu: „M-am uitat la orașul meu iubit cu durere și mândrie. Și stătea în picioare, pârjolit de incendii, înrăit de luptă, după ce a experimentat suferința adâncă a unui luptător și era și mai frumos în măreția lui aspră. Cum să nu iubesc acest oraș, construit de Petru, și să nu spun lumii întregi despre gloria lui, despre curajul apărătorilor ei... Arma mea a fost muzica.”

Profesor : Astăzi avem o oportunitate unică de a-l asculta pe D. D. Șostakovici însuși. Să ascultăm ce are de spus despre munca lui.

Videoclipul nr. 1. Film despre Şostakovici

Profesor: Simfonia a șaptea este formată din 4 mișcări, dar prima este cea mai semnificativă. Însuși D. D. Shostakovich a scris acest lucru: „Prima parte spune cum o forță formidabilă a izbucnit în frumoasa noastră viață pașnică - războiul”.

Prima parteîncepe cu o melodie epică amplă, cântată. Ea întruchipează imaginea Patriei Mame. Se dezvoltă, crește și este umplut cu din ce în ce mai multă putere. Lotul lateral de asemenea, ca un cântec. Este ca un cântec de leagăn calm. Melodia ei pare să se dizolve în tăcere. Totul respiră calmul vieții pașnice.

Dar apoi, de undeva departe, se aude ritmul unei tobe, apoi apare o melodie: primitivă, asemănătoare cupletelor - expresie a cotidianului și a vulgarității. E ca și cum niște păpuși se mișcă. .

La început sunetul pare inofensiv. Dar tema se repetă de 11 ori, intensificându-se tot mai mult. Melodia sa nu se schimbă, ea dobândește doar treptat sunetul din ce în ce mai multe instrumente noi, transformându-se în complexe de acorduri puternice. Deci, acest subiect, care la început părea nu amenințător, ci prost și vulgar, se transformă într-un monstru colosal - o mașină de șlefuit a distrugerii. Se pare că va zdrobi toate viețuitoarele în cale.

Scriitorul A. Tolstoi a numit această muzică „dansul șobolanilor învățați pe tonul flautarului”. Se pare că șobolanii învățați, ascultători de voința prindetorului de șobolani, intră în luptă. Acesta este celebrul episod al invaziei fasciste - „Episodul invaziei”, o imagine uluitoare a invaziei forței distructive.

Vom asculta acum un fragment din simfonie.Film documentar Ne va ajuta să ne imaginăm tabloul acelei vremuri, condițiile în care a fost creată simfonia, atitudinea care i-a cuprins pe oamenii din Leningradul asediat.

Sună un fragment din partea 1. Video. nr. 2

Profesor de muzică: Un cuvânt de la istoric

Istoricul #2

- Simfoniile compozitorului sunt un monument unic al istoriei omenirii. La 27 decembrie 1941, simfonia a fost finalizată. Premiera a avut loc la Kuibyshev, interpretată de Orchestra Teatrului Bolșoi sub conducerea lui S. Samosud. După aceasta, simfonia a fost interpretată la Moscova și Novosibirsk. Dar abia pe 9 august 1942, în asediatul Leningrad, a avut loc celebra interpretare a Simfoniei a șaptea („Leningrad”) a lui Dmitri Șostakovici. Organizatorul și dirijorul a fost Karl Ilici Eliasberg, dirijorul șef al Orchestrei Radio din Leningrad. Autoritățile au insistat asupra unei premiere urgente. La urma urmei, simfonia a fost dedicată de către autor isprăvii orașului său natal. I s-a dat semnificație politică. S-au adunat muzicieni de pretutindeni pentru a o interpreta. Mulți dintre ei erau epuizați. Înainte de începerea repetițiilor, a trebuit să-i punem în spital – să-i hrănim, să-i tratăm. În ziua în care a fost interpretată simfonia, nici măcar un obuz inamic nu a căzut asupra orașului: din ordinul comandantului Frontului de la Leningrad, mareșalul Govorov, toate punctele inamice au fost suprimate în avans. Pistoalele tăceau în timp ce suna muzica lui Șostakovici. A fost auzit nu numai de locuitorii orașului, ci și de trupele germane care asediau Leningradul. Ei spun că germanii, după ce au auzit sunetele simfoniei de la Leningrad prin difuzoare, au fost pur și simplu surprinși - erau absolut siguri că orașul era mort. La mulți ani după război, nemții au spus: „Apoi, la 9 august 1942, ne-am dat seama că vom pierde războiul. Am simțit puterea ta, capabilă să învingă foamea, frica și chiar moartea...”

Pornind de la interpretarea sa în asediul Leningrad, simfonia a avut o propagandă și o semnificație politică enormă pentru autoritățile sovietice și ruse.

IV. Consolidare

La 27 ianuarie 1944, Leningradul a salutat cu 24 de salve de la 324 de tunuri în onoarea eliminării complete a blocadei inamice - înfrângerea germanilor de lângă Leningrad.

- Ai pierdut războiul, călău,
Abia am pus mâna pe oraș!
Care este adevărul acum?
ce furtună s-a întâmplat
ca un vis înnebunit,
Ce amăgire de mândrie părea!
Așa că lasă lumea să audă astăzi
Focuri de artificii rusești.
Da, se răzbună, se bucură, respiră!
Leningrad victorios!
27 ianuarie 1944, Olga Berggolts

08.08.08. La începutul lecției, am vorbit despre război și pace, despre cum omenirea nu se poate opri din lupta între ele. La 21 august 2008, un fragment din prima parte a simfoniei a fost interpretat în orașul din Osetia de Sud Tskhinvali, distrus de trupele georgiene, de orchestra Teatrului Mariinsky dirijată de Valery Gergiev.

Video nr. 3 Valery Gergiev

- De ce a ales Gergiev Simfonia din Leningrad pentru orașul rănit?

- „Această simfonie este un memento pentru lume că oroarea asediului și bombardării Leningradului nu trebuie să se repete...” (V. A. Gergiev)

Temă pentru acasă: scrierea unui eseu „Ai explicat muzica în cuvinte”

Profesorul citește, ca exemplu, cele mai interesante rânduri din eseurile foștilor elevi.

Profesor: Cei care s-au născut după război nu mai pot înțelege prea multe și nu pot supraviețui la ceea ce a trăit generația de război. Poți doar să asculți poveștile celor care au supraviețuit și să încerci să simți ceea ce au trăit și să-l păstrezi în memorie... Și aduce un omagiu respectului etern și recunoștinței eterne.

Cântecul „Să fie lumină în fereastra ta”

Fotografii cu veterani. Prezentare

Notare. Rezumând.

Lucrați în microgrupuri folosind carduri:

Opozitii:
Întrebări:

Ce imagine creează muzica?________________________________________________________________

Ce v-ați imaginat în timp ce o ascultați?________________________________________________

Cum sună ea la începutul episodului?________________________________________________

Câte imagini muzicale?________________________________________________________________

Care este importanța ritmului?________________________________________________________________

Ce mijloace de expresivitate sunt folosite pentru a dezvolta invazia?________________________________________________________________________________

_____________________________________________________________________________