Enciclopedia percepției (de pe site-ul editorului)
Fotografia aparține artelor plastice. O mulțime de copii au fost sparte, totuși, acum acest lucru poate fi afirmat cu siguranță. Următoarea este o traducere a unui articol din - în general non-ficțiune - Enciclopedia percepției a lui Bruce Goldstein. Am dat din întâmplare în această carte: am fost „jucat” de Richard Zakia - o carte ce trebuia pur și simplu citită pentru oamenii care țin de fotografie - Richard Zakia „Percepție și imagine / Fotografie: un mod de a vedea” - și m-am grăbit să o caut sau un înlocuitor al acestuia. Așa am dat de Goldstein.
Voi face o rezervare imediat: traducerea este practic fără editare, faceți o reducere la asta.
Articolul a fost tradus și postat cu permisiunea deținătorului drepturilor de autor. Drepturi de autor de la SAGE Publications Inc.
Articolul original: E. Bruce Goldstein's Encyclopedia of Perception, Aesthetic Appreciation of Pictures. pp. 11-13 Copyright 2010, SAGE Publications Inc.
Vizualizarea lucrărilor Arte vizuale, deși are un impact emoțional puternic, rămâne un proces complet personal. În discuția despre percepția estetică a unui tablou în cadrul studiului proceselor perceptive, se încearcă să se reducă decalajul dintre o înțelegere clară a proceselor de la nivelul inferior - percepția vizuală și corticală * a caracteristicilor obiective ale imaginii, cum ar fi culoarea și forma și o înțelegere mai puțin clară a nivelului superior al fenomenologiei vizuale sau a experienței subiective.
De-a lungul secolelor, definiția și conținutul conceptului de „experiență estetică” au fost prezentate de oameni în moduri complet diferite. De obicei, în cadrul studiului proceselor perceptive (studii percepției), evaluarea estetică este determinată printr-o preferință bazată pe frumusețea percepută a imaginii în cauză. Studiul percepției se bazează astfel din abordările estetice atât ale lui David Hume, cât și ale lui Immanuel Kant, în ceea ce privește gustul și frumusețea pe care le discută. Factorii care influențează răspunsul estetic la o pictură sunt considerați a fi atât caracteristicile fizice ale operei în sine, care se află „în interiorul cadrului”, cât și influențele contextuale, cum ar fi titlul lucrării și modul în care este prezentată (prezentare) , care există „în afara cadrului”.
Cercetarea problemelor percepției estetice se bazează încă pe metode de grup (abordare nomotetică), totuși, există o părere că doar studiul individului/individului (sau abordarea ideografică) poate servi ca punct de plecare dacă scopul este acela de a realiza pe deplin. înțelege procesul. Acest articol se concentrează asupra modului în care este măsurată estetica, definește abordările obiectiviste și subiectiviste ale esteticii și vorbește despre utilizarea acestor abordări de către cercetători.
Măsurarea esteticii
Originile esteticii empirice sunt de obicei atribuite lui Gustav Fechner și cărții sale Elementary Aesthetics, iar lui Daniel Berlyne i se atribuie reînviorarea interesului pentru aplicarea metodelor științifice la studiul esteticii în anii 1970. Aceste experimente timpurii au avut ca scop identificarea preferințelor individuale. a subiecților prin evaluarea unor seturi mari de stimuli creați artificial, denumite „poligoane” (poligon).Poligonii se deosebeau unul de celălalt printr-un set dat de variabile cantitative (calculabile) divizibile prin colative (de exemplu, complexitate), psihofizice (de ex. culoare) și de mediu (de exemplu, semnificație/sens) Conform abordării psihobiologice a lui Berline, experiența/percepția estetică ar trebui să fie mai mare pentru nivelul mediu de excitare, excitarea fiind calculată ca suma proprietăților implicate: astfel, de exemplu, poligoane cu mai multe laturi ar trebui să conțină mai puțină culoare decât poligo noi cu mai puține laturi.
Aceste studii timpurii au identificat abordări de măsurare a experienței estetice folosind o scară numerică simplă (cunoscută și sub numele de scară Likert) prin care imaginile sunt solicitate să fie sortate sau clasate de la cel mai puțin preferat/frumoase la cele mai preferate/frumoase. În ciuda faptului că această metodă se pretează la o critică ușoară din cauza inaccesibilității întregii game de evaluări pentru subiecți, astfel de măsurători subiective stau la baza studiului perceptiv al esteticii. De-a lungul timpului, evaluările subiective ale experienței estetice au fost completate cu metrici obiective, cum ar fi timpul petrecut privind o singură imagine și oxigenarea sângelui în creier, pentru a oferi date convergente pentru înțelegerea experienței estetice.
Estetica „În interiorul cadrului”
Primele experimente care au vizat înțelegerea esteticii prin studiul percepției au arătat o simplificare semnificativă a abordării. S-a presupus că se poate ajunge să înțeleagă originile frumuseții operei de artă în cauză prin studierea reacțiilor individuale la elementele de bază ale percepției vizuale. În același timp, evaluarea generală a picturii a fost împărțită în studiul preferinței componentelor sale individuale: combinații de culori, orientarea liniilor, dimensiunile și formele. Un factor limitator comun pentru multe studii psihologice este discrepanța dintre capacitatea de a controla materialele propuse în interiorul pereților laboratorului și, în consecință, capacitatea de a generaliza datele obținute și exemplele mult mai diverse și mai bogate de artă plastică care exista in lumea reala. Cercetarea bazată pe stimuli vizuali abstracti înseamnă că subiecții nu au avut o expunere prealabilă la imagini, iar acest lucru limitează experiența estetică la latura primitivă, unde influența schemei sau a memoriei este exclusă, iar imaginea este evaluată doar prin stimuli. Și aceste tipuri de stimuli sunt departe de a fi reali: studiul poligoanelor ne va spune ceva despre opera lui Picasso?
William Turner, Epava
O oportunitate de a explora la intersecția nivelurilor inferioare și superioare ale experienței vizuale este oferită de opera lui Piet Mondrian, în care elementele picturale sunt suprapuse în mod special pe forme vizuale de bază, precum orientarea liniilor și culoarea. Ei le-au oferit cercetătorilor posibilitatea de a schimba în mod constant distanța dintre linii, orientarea și grosimea acestora, plasarea și combinațiile de culori în cadrul imaginii în cauză, pentru a evalua nivelul de schimbare la care subiecții au găsit compoziția originală Mondrian mai atractivă din punct de vedere estetic. decât cel modificat. Rezultatele au arătat că chiar și subiecții fără pregătire în arte vizuale au acordat note mai mari picturilor originale, sugerând că percepția estetică se datorează parțial plasării elementelor vizuale în imagine. Alte studii au arătat că preferința estetică pentru picturile originale față de picturile nealterate se aplică și lucrărilor cu caracter reprezentativ, deși preferința pentru lucrările originale a fost dezvăluită abia după ce au fost aduse modificări semnificative. Aceste observații au sugerat că de preferat din punct de vedere estetic ar fi o imagine în care artistul a obținut cea mai bună aranjare (sau echilibru) a elementelor, iar acest echilibru compozițional este ușor de perceput de către non-artişti. Descoperirile sunt în acord excelent cu principiul psihologiei Gestalt al lui Prägnanz (cunoscut și ca „corectitudine vizuală”) și oferă dovezi pentru universalismul experienței estetice.
Marcel Duchamp
Estetica „în afara cadrului”
Spre deosebire de abordarea obiectivistă a studiului empiric al esteticii, în care frumusețea unui tablou este considerată a fi ascunsă în organizarea elementelor vizuale în sine, abordarea subiectivistă subliniază rolul factorilor externi în determinarea a ceea ce este frumos și a ceea ce este frumos. nu este. Necesitatea unei componente subiectiviste in estetica va fi evidenta pentru oricine a avut ghinionul de a insoti un iubitor de pictura renascentista prin galeria de arta moderna. Faptul că indivizii pot avea răspunsuri foarte diferite la aceiași stimuli vizuali sugerează că atitudinile față de artă și pregătire au un impact semnificativ asupra percepției estetice. Comparațiile între percepțiile spectatorilor neantrenați și cele ale criticilor de artă sunt comune în literatura științifică, deși înțelegerea a ceea ce înseamnă a fi „critic de artă” sau „ce constituie un critic de artă” nu a fost niciodată atinsă. Pe baza diferențelor dintre arta figurativă și arta abstractă, culoarea originală sau alb-negru alterat, preferințele estetice ale „începătorilor” tind să fie către arta figurativă în culoare, în timp ce criticii de artă tind să aibă o gamă mult mai largă de preferințe.
Edward Munch
Se crede că numele picturii are un impact asupra răspunsului estetic al privitorului. Totuși, această influență depinde atât de conținutul titlului, cât și de tipul de imagine la care se referă. Adăugarea unui titlu descriptiv pentru picturile reprezentative poate fi redundantă (de exemplu, Epava de William Turner, Epava), dar titlurile lucrărilor mai abstracte (de exemplu, Nud coborând o scară de Marcel Duchamp) pot ajuta privitorul să deblocheze elementele ambigue individuale de pe pânză. Mai mult, informații suplimentare despre originea, stilul sau interpretarea unei lucrări pot influența semnificativ răspunsul unui individ. Astfel, informația conform căreia în lucrarea „The Scream” (1893) a lui Edvard Munch (The Scream) personajul din prim-planul imaginii nu țipă de fapt, ci mai degrabă încearcă să se protejeze de strigătul naturii, poate schimba radical perceptia estetica a pânzei . Au existat studii care compară răspunsurile la titluri fără titlu și titluri descriptive sau explicative. Titlurile descriptive sunt adesea utile pentru a obține imaginea corectă, în timp ce titlurile explicative tind să conducă la un răspuns estetic mai profund. Un alt factor extern care influențează percepția estetică este locul în care este privită imaginea. În interesul purității experimentului, persoanelor care participă la cercetarea estetică experiențială li se cere cel mai adesea să vizualizeze imagini pe monitorul unui computer pentru o perioadă limitată de timp. Acest lucru este fundamental diferit de vizualizarea picturilor într-o galerie, unde sunt prezentate în dimensiunea lor originală; distanța de vizionare este adesea calculată cu atenție, iar timpul de vizionare nu este limitat. Există puține date care compară percepția originalelor și a copiilor reduse și nu indică diferențe semnificative de percepție; cu toate acestea, se poate presupune că o parte din efectul optic sau de scară intenționat de artist se poate pierde atunci când dimensiunea este redusă. De exemplu, pânzele mari color ale lui Mark Rothko pot fi judecate diferit dacă dimensiunile lor nu sunt păstrate. S-a dedus experimental că o persoană petrece de obicei o jumătate de minut uitându-se la o imagine. Constrângerile de timp pot limita, de asemenea, profunzimea analizei unui tablou, ducând la o evaluare estetică doar a proprietăților generale ale imaginii.
Este simțul gustului măsurabil?
Compararea abordărilor obiectiviste și subiectiviste ale percepției estetice a operelor de artă a condus la începutul procesului de unificare; noua abordare se numește interactiv. În apărarea demersului obiectivist este faptul că atât reprezentative cât şi pictura abstracta evocă un răspuns estetic și, ca atare, relația dintre abordări trebuie privită prin prisma tabloului în sine, nu prin conținutul acesteia. În apărarea abordării subiectiviste, stimuli vizuali identici pot duce la preferințe estetice diferite. Devine clar că alternative la abordarea nomotetică a esteticii empirice trebuie luate în considerare. Prin descompunerea stimulilor vizuali complexi în componentele lor principale, cercetătorii au găsit dificil să creeze un model de grup de satisfacție estetică care să reflecte în mod adecvat personalitatea. Mai mult, aplicarea clinică a esteticii tinde să încline spre o abordare ideografică. De exemplu, beneficiul paliativ al vizionării artei medicale se bazează mai mult pe personal decât pe cel instituțional. Deși pacienții aflați în stadiile incipiente ale bolii Alzheimer diferă între ei în ceea ce privește clasificarea imaginilor, preferințele lor estetice pot rămâne stabile pe o perioadă de două săptămâni, în timp ce memoria explicită nu rămâne stabilă în această perioadă. În cele din urmă, exemplele existente de imagini ale corpului masculin și feminin, care reflectă ideile de ideal, au arătat că evaluările estetice depind în mare măsură de o serie de factori socio-psihologici inerenți momentului de creare a acestor imagini. Înțelegerea esteticii atât la nivel individual, cât și la nivel de grup promite să conducă la o înțelegere mai intensă și mai frumoasă a mediului. Cercetările în estetică empirică au dovedit că este într-adevăr posibil să găsim o dimensiune de gust, deși unele dintre cele mai importante aspecte ale experienței estetice rămân evazive.
Ben Dyson
Voi adăuga de la mine.
Percepţie- (din latină perceptio - reprezentare, percepție) procesul de reflectare directă a realității obiective de către simțuri.
arta figurativa(din lat. figura - aspect, imagine) - lucrări de pictură, sculptură și grafică, în care, în contrast cu ornamentația abstractă și arta abstractă, există un principiu pictural
Cortical - care se referă la cortexul cerebral, cortical
scara Likert- numit după Rensis Likert - o scală de preferințe folosită pentru a identifica preferințele în sondaje.
Pregnanz(clar, clar) - se referă la Legea sarcinii, formulată de Ivo Köhler, unul dintre fondatorii psihologiei Gestalt. Legea sarcinii sau a „închiderii” este că „elementele câmpului sunt izolate în forme care sunt cele mai stabile și provoacă cel mai puțin stres” (Forgus). Deci, dacă imaginea unui cerc rupt clipește pe ecran cu o frecvență înaltă, vom vedea acest cerc ca un întreg.
Înțelegerea obiectului măsurării
placa este împrumutată de la psylib.org.ua. Autor - O.V. Belova
„Percepția picturii de către copiii de vârstă preșcolară”
Scenariul lecției Family Club
pentru copiii și părinții unui grup pregătitor pentru școală
Discurs introductiv al educatorului asupra activității artistice.
Experiențele emoționale timpurii asociate cu percepția artei, frumuseții, lasă adesea o amprentă de neșters pe sufletul unui copil. De-a lungul anilor, această primă atracție, nu întotdeauna conștientă, pentru frumos se transformă într-o nevoie de a cunoaște și înțelege arta.
LA grădiniţă copiii primesc informații inițiale despre artă, comunicând cu diferitele ei tipuri. Cu toate acestea, preșcolarii, din cauza caracteristicilor de vârstă, nu pot aprecia pe deplin profunzimea picturilor și semnificația lor artistică. Ne străduim să direcționăm în mod activ atenția copilului atunci când percepem opere de artă, îl învățăm să observe și să evidențiem mijloace de exprimare.
Introducerea unui copil în artă este importantă pentru dezvoltarea sa estetică, deoarece dobândește experiență socio-culturală. Cultura, fiind un mijloc ideal de auto-exprimare, este cea care ajută o persoană să devină persoană. În procesul holistic de familiarizare cu lumea culturii și a valorilor estetice, are loc o activare a sentimentelor morale și estetice și a intereselor cognitive.
Arta plastică a copiilor este o formă de dezvoltare cultura artisticași contribuie la socializarea individului într-un anumit mediu, motiv pentru care activitățile din domeniul artei sunt atât de importante. Datorită comunicării cu arta, copilul învață despre varietatea materialelor de artă, despre varietatea operelor de artă, se familiarizează cu diverse tipuri și genuri.
Când și cum trebuie introdus un copil în lumea frumuseții?
Inițierea spre frumos începe cu trezirea și dezvoltarea sufletului copilului, încă din primele sale zile de viață. Relații calde între părinți și atenție pentru copilul lor, atmosfera estetică a casei, jucării, melodii populare cântece de leagăn la pătuț - toate acestea liniștesc mintea și sufletul copilului, pregătesc comunicare și dezvoltare sentimente bune, îi facilitează primii pași într-o viață mare, tulburătoare și complet de neînțeles pentru el.
Dacă un copil este înconjurat acasă de bunătate și grijă, armonie în relațiile cu adulți, lucruri simple frumoase, cărți, jucării, atunci aceasta este deja o garanție a trezirii sufletului, indiferent de temperamentul și nivelul de abilități ale acestuia. Relația noastră este întotdeauna oglindită. Răspundem binelui cu bine, încercăm să neutralizăm răul, iar frumusețea lumii ne formează frumusețea interioară, care, dezvoltându-se și dobândind maturitate, devine o forță artistică activă care influențează creativ realitatea.
Înțelegerea artei și a lumii în ansamblu este direct proporțională cu profunzimea personalitatea umană. Cu cât începem mai devreme să „săpăm” mai adânc, cu atât universul ne apare mai bogat, mai complex și mai expresiv în fața noastră.
Pentru ca copiii să cunoască frumosul, adulții înșiși trebuie să stăpânească bine acest lucru și să își dorească foarte mult să le transmită.
Ce metode pot fi recomandate
pentru a introduce copilul în lumea frumosului?
Cel mai bine este să mergi cu băieții la muzee, la expoziții. În a noastră oraș de provincie expozițiile artiștilor pot fi vizitate în Școala de artă pentru copii, în Palatul Culturii, în clubul Yubileiny.
Desigur, ar trebui să colectăm treptat o bibliotecă de acasă despre artă: cărți și albume despre artiști, colecții de muzee, reproduceri din picturi, atât artă domestică, cât și cea mondială. Abonați-vă la reviste care nu vorbesc doar despre artiști, ci arată și cum să folosiți varietatea materialelor artistice în practică. Puteți împrumuta aceste publicații pentru a le vizualiza în bibliotecă. Apropo, în biblioteca pentru copii din departamentul „Arte”, se organizează adesea evenimente pentru a face cunoștință cu munca artiștilor (planul de evenimente poate fi luat de la mine sau chiar în bibliotecă).
Este indicat să implicați preșcolarii în vizionarea programelor educaționale pentru copii, de exemplu, pe canalul de televiziune „Bibigon”, „Carusel”, unde există un program foarte interesant și educațional pentru copii „Academia de Arte”.
În plus, și acest lucru este, de asemenea, important, toți băieții sunt bucuroși să deseneze ei înșiși. Ar fi bine ca părinții să pună constant materiale de artă pe masa copiilor și să le monitorizeze calitatea și varietatea. Prezența creioanelor colorate și a pixurilor cu pâslă nu va provoca cu siguranță copilului o mare dorință de a desena și cu siguranță nu va dezvolta în copil înclinațiile de creativitate, dorința și dragostea pentru frumos. Guașă, acuarelă, creioane cu ceară, acuarelă și ulei, pasteluri, sos, diverse plastiline, vopsele batik și multe, multe alte materiale de artă moderne de înaltă calitate se găsesc în departamentele de papetărie și în magazinele pentru creativitatea artistică.
Nu uitați de cât de important este să aveți grijă de vederea și coordonarea motorie a copilului, iar cursurile cu vopsele nu numai că contribuie la dezvoltarea acestor funcții, ci și le unesc.
Respectă creativitatea copilului tău. Obțineți un dosar pentru lucrările copiilor, împăturiți frumos desenele copiilor, marcați data și numele fiecărei lucrări. Alocați timp pentru revizuire și discuții comune. Cele mai strălucitoare lucrări pot fi înrămate sau înrămate. Aranjați expoziții personale ale muncii copilului dumneavoastră pentru orice sărbători și evenimente, lăsați-o să devină tradiția familiei dumneavoastră. Prin manifestarea dvs. de atenție, îi veți face clar copilului că îi respectați și îi apreciați munca și creativitatea.
Dacă copilul a început să deseneze activ și este clar că îi place, trimiteți-l în studio la un profesor bun, delicat, care își va dezvălui treptat abilitățile, iar echipa de copii îl va ajuta să devină o persoană sociabilă, veselă, sociabilă.
Desigur, nu toți copiii vor deveni artiști - aceasta este o chestiune de talent și o alegere conștientă. Lăsați copilul să devină inginer sau doctor. La urma urmei, nu poți fi un artist, dar să iubești și să înțelegi frumosul. Și vor învăța această dragoste de la tine și de la noi în timpul jocurilor cu vopsele, al căror scop este să învețe o persoană în creștere să gândească, să fantezeze, să gândească cu îndrăzneală și liber, să-și demonstreze pe deplin abilitățile.
Lecție-quiz „Dacă vezi în imagine...”
Educator: Dragi copii si adulti! Astăzi în sală vedem multe picturi frumoase diferite. Pictată de artiștii lor. Tablourile pictate cu diferite culori sau alte materiale colorate, precum pastelul, creioanele de ceară, se numesc pictură. Acest cuvânt este ușor de reținut: este format din două cuvinte simple - plin de viață și scrie.
Ce este pictura -
Mulți nu înțeleg:
Linii colorate?
Spray? Umbre? Pete?
Și pictura este bună
Și un titlu clar:
Ea arata ca viata
Desen live.
(Andrey Usachev)
Educator: Fiecare imagine spune despre ceva diferit, iar imaginile sunt, de asemenea, numite diferit, fiecare imagine corespunde unui anumit gen. Băieți, ce genuri de pictură cunoașteți? (Răspunsurile copiilor).
Educator: Pentru a vorbi mai mult despre genurile picturii, vă sugerez „Colectați-vă picturile” și determinați genul acestora. (Copiii colectează poze în funcție de tipul de „poze decupate”).
Educator: Bine făcut! A finalizat sarcina. Și acum vă sugerez să vă consultați, să veniți cu un nume pentru imaginea dvs. și să numiți genul acesteia. (Un grup de copii care și-au adunat poza îi dă un nume frumos, definește genul și vorbește despre respectarea legilor picturii).
După fiecare reprezentație, aranjament muzical la genul - cântece de G. Gladkov.
Educator: Știți toți despre genuri, confundă? Sa verificam.
Sarcina „Găsiți genul de care aveți nevoie”. Copiii sortează reproducerile picturilor după gen.
Educator: Copiii noștri au dat dovadă de cunoștințe bune. Dar le pot pune în practică? Astăzi, băieți, trebuie să creați o imagine cu echipa voastră mică. Aceasta nu este o chestiune ușoară, mai întâi trebuie să fiți de acord: ce și cum veți face, unde să plasați. Cred că și părinții vor dori să te ajute și să participe la realizarea imaginii. Îi invit pe toți să stea la mese pentru a începe această lucrare interesantă asupra picturii mele. Multă baftă.
La finalizare se trece în revistă colaborările, se precizează genul, respectarea legilor, potrivirea culorilor, estetica etc. Pozele sunt înrămate.
Educator: Astăzi nu doar am desenat, ci am făcut imagini minunate folosind tehnica aplicației. Dar artistului nu îi pasă din ce materiale își creează opera. Principalul lucru este că iubește și vrea să o facă. Aș dori să închei lecția noastră cu versuri minunate dintr-o poezie de Andrei Usachev:
Artistul vrea să picteze.
Să nu-i dea un caiet...
De aceea artistul și artistul
Desenează oriunde poate;
Desenează cu un băț pe pământ,
Iarna - un deget pe sticlă.
Și scrie cu cărbune pe gard,
Și pe tapetul din hol...
Desenând cu creta pe tablă
El scrie pe lut și nisip.
Să nu fie hârtie la îndemână,
Fără bani pentru pânzele lui
El va picta pe piatră
Și pe o bucată de scoarță de mesteacăn.
El va picta aerul cu un salut,
Luând o furcă, scrie pe apă,
Un artist este un artist
Ce poate desena peste tot.
Și cine îl împiedică pe artist,
El privează Pământul de frumusețe!
Percepția artei este extrem de subiectivă. Procesele care au loc la o persoană în timpul percepției sunt diverse și greu previzibile, nu ușor de studiat. Calcularea succesului sau eșecului unei lucrări în avans pare puțin probabilă, deși din cele mai vechi timpuri s-au încercat să se descopere un anumit elixir de frumusețe. Inutil să spun că încercările au fost fără succes. În prezent, există un întreg set de legi și reguli, aderând la care, creatorul este capabil să creeze lucrări care îndeplinesc cerințele estetice.
Percepția operelor de artă presupune o activitate viguroasă, care necesită o pregătire adecvată. Dezvoltarea percepției artistice include rezolvarea următoarelor sarcini educaționale principale:
- a) dezvoltarea receptivității la muncă;
- b) dezvoltarea capacităţii de a-şi exprima atitudinea faţă de muncă;
- c) extinderea sferei de cunoştinţe şi idei despre artă.
Se transformă sentimentele, pasiunile, emoțiile, se creează o metamorfoză a sentimentelor, se ridică deasupra individului, se generalizează și devin publice.
Principalul lucru este mișcarea sentimentului, care constă în faptul că conținutul emoțional, afectiv al lucrării este în două direcții opuse, luptă spre un punct, în care, parcă, are loc un scurtcircuit, rezolvând afectul: sentimentele sunt luminate, catharsis.
Pictura este unul dintre tipurile de arte plastice (fină). Artele plastice sunt obiective, sunt structuri volumetrico-spațiale, reale sau imaginare, care nu se dezvoltă în timp. Pictura reproduce obiecte și fenomene cu ajutorul vopselelor și este o artă plastică. Când autorul intră în domeniul non-obiectiv, figurativ (abstracționism), lucrările sale încetează să aparțină artelor plastice și, prin urmare, ar trebui considerate și analizate, să zicem, ca opere de artă și meșteșuguri.
Una dintre cele mai importante proprietăți ale operelor de artă este emoționalitatea lor, capacitatea de a evoca un răspuns emoțional și empatie în privitor. La nivel intuitiv, psihofiziologic, arta este percepută datorită adecvării reacțiilor oamenilor la anumite combinații de pete și linii de culoare. Există paralele asociative cu experiența de viață. Leonardo da Vinci considera pictura un fel de muzică, comparând culorile cu sunetul vizibil. Energia unei opere de artă se manifestă în natura picturii: culoare, textură, compoziție, desen. Lucrările lui Van Gogh au o puternică încărcătură energetică.
Tot felul de povești de groază, cum ar fi arătarea unui teatru anatomic sub masca artei, de fapt, nu sunt. Alte în lucrările de pictură: de exemplu, „Tipătul” de E. Munch. Privind la această lucrare emoționantă, nu simți frică, ci empatiză. Răspunsul emoțional înnobilat.
În lucrările artistului și compozitorului lituanian K. Čiurlionis nu există o imagine reală a lumii - imagini vagi, doar un indiciu de realitate, dar fiecare operă atrage, emoționează, provocând presimțiri și așteptări vagi. Răspunsul emoțional la munca sa este atât de puternic încât lipsa de cunoaștere a meșteșugului nu este evidentă. Nu intriga este perceputa, ci mai degraba atmosfera generala a operei.
Intriga din lucrarea de pictură este secundară. Impactul general al lucrării prin analizatorul vizual - asta este important. Asociativitatea și misterul sunt cele mai importante componente ale artei.
Poate că Rătăcitorii nu sunt interesanți tocmai pentru că lucrările lor sunt ingenue, documentarele sunt continue, nu implică asociativitate. Nu există niciun secret. Prin urmare, răspunsul emoțional din partea privitorului este minim. În plus, desenul multora nu este perfect, compoziția este liberă, pictura este lent. Nu există nicio urmă de artă. Adică, cunoașterea meșteșugului este departe de a fi măiestrie. Încercați să vă reajustați ochiul și să abstrageți din intriga, încercați să vedeți în munca lor doar muzica de pete și replici. Nu o vei vedea. Ea este absentă.
Filosofii, începând din antichitate, s-au ocupat de percepția operelor de artă. Aristotel a înțeles impactul artei ca purificare a sufletului prin afectele compasiunii și fricii.
Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, în societate domnea o anumită unitate, printre filosofi și artiști: arta se hrănea din realitate și o reflecta în operele sale. Reprezentantul iluminismului german, G. E. Lessing, în tratatul său Laocoon, notează principala diferență dintre artele verbale și cele vizuale: arta plastică este spațială, iar verbala (poezia) este temporară. Afirmă primatul frumuseții. Urâtul nu-și are locul în artă. Arta ar trebui să încânte ochiul sau urechea. Yuri Boreev scrie: „Goethe distinge trei tipuri de percepție artistică:
- 1) bucuria de frumusețe fără raționament;
- 2) judecata fara sa se bucure;
- 3) judecare bucurându-se și bucurându-se de raționament
Al treilea tip de percepție artistică este adecvată naturii opera de artă...". În plus, Boreev susține că pentru estetica modernă și teoria artei, este important să înțelegem că impactul unei opere în diferite epoci, în diferite grupuri receptive nu este identic, recepția artistică se datorează unor premise obiective socio-economice, depinde de subiectiv. caracteristicile destinatarului și calitățile artistice obiective ale operelor artistice, din tradiția artistică din opinie publica. Aspectele subiective ale percepției sunt determinate de caracteristicile individuale inerente această persoană: talent, fantezie, memorie, pregătire culturală a minții și a sentimentelor. Pregătirea destinatarului pentru percepția artistică depinde de a lui experienta personala, din ceea ce a învățat din cărți, a cules din alte domenii ale artei.
În cultură are loc o „deformare” a valorii și sensului unei opere de artă de la o epocă la alta. Un factor psihologic important în percepția artei este atitudinea perceptivă, bazată pe sistemul anterior de cultură, fixat istoric în mintea noastră. Desfătarea artei este rezultatul depășirii convenționalității acesteia, comparării artisticului cu realul, recunoașterii realului în convențional. Intensitatea percepției și bucuriei artistice este proporțională cu ordinea și complexitatea fenomenului artistic. Studiul experimental al receptării artistice a început la sfârșitul secolului al XIX-lea.
Decalajul, pierderea conexiunii dintre privitor și artist poate fi pusă pe seama începutului secolului XX, când au apărut astfel de tendințe în artele vizuale precum cubismul, abstractionismul și alte tendințe moderniste. Privitorul încetează să-l înțeleagă pe artist. Realitatea dispare, iar pseudo-realitatea pe care creatorii noii arte încearcă să o compună este de neînțeles pentru privitor. Limbajul pierdut pentru comunicare – pictural.
Ortega y Gasset în lucrarea sa „Dezumanizarea artei”, luând în considerare arta din punct de vedere social, ajunge la concluzia că noua artă împarte oamenii în cei care o înțeleg și cei care nu o înțeleg. Inițial apelează la o minoritate selectată - de unde iritarea care provoacă masele. Potrivit autorului, în prezent există un nou sentiment estetic în lume, o tendință spre dezumanizarea artei. Dacă artistul secolului al XIX-lea a reflectat cu adevărat realitatea, a „umanizat obiectul”, atunci artistul modern evită realitatea, o deformează cu îndrăzneală. „Ne lasă blocați într-o lume necunoscută, ne face să comunicăm cu lucruri, a căror legătură este de neconceput pentru o persoană... Plăcerea estetică pentru un nou artist provine din victoria asupra „umanului”... A construi ceva care nu este o copie a „naturalului” și, totuși, are un anumit conținut, este nevoie de cea mai rafinată dotare. Justificând dezumanizarea artei, autorul spune că percepția realității „vii” și percepția forma de arta fundamental incompatibile, deoarece fiecare dintre ele necesită o adaptare diferită a organelor de percepție, fără a explica însă în ce constă această adaptare diferită.
A. Gellen crede: „Tabloul ne spune ceva datorită semnificației sale stabile, datorită semnificației sale obiective. Dimpotrivă, un ornament lipsit de sens este complet mut. Picturile abstracte sunt complet fără cuvinte...”. Încercând să înțeleagă pictura modernă G.-G. Gasset scrie despre amorțeala picturii.
Dacă abandonăm ideea de umanizare a artei, atunci aceasta va duce inevitabil și rapid la sfârșitul atât al culturii, cât și al civilizației.
Conform declarațiilor Albert Camus din The Rebellious Man: „Limbajul artistic, distrus de negația irațională, se transformă într-o prostie incoerentă... Artistul este obligat să evite atât bufniile formaliste, cât și estetica totalitară a realismului”.
Karl Kantor în cartea sa The Thousand-Eyed Argus scrie: „Dacă nu ar exista contradicții între fenomen și esență, între vizibil și invizibil, dacă adevărul ar coincide direct cu forma de manifestare a lui, nici știința, nici arta nu ar fi Necesar. Pictura înlătură contradicția primară inerentă naturii însăși între vizibil și invizibil, dar nu o elimină deloc; mai mult, pictura însăși se sprijină pe această contradicție, adică: cu cât pictura este mai realistă, cu atât este mai simbolică, cu atât mai mult exclude percepția sa literală.
Nu există artă mai dificilă decât pictura realistă. Tablourile lui Leonardo, Brueghel, Rembrandt, Goya, Cezanne, Picasso au proprietatea de a „nu se lăsa înăuntru”. Într-adevăr, nu este atât de ușor de înțeles, de exemplu, că natura moartă a lui Cezanne cu mere „nu este înțelegerea lui Cezanne despre merele în afara imaginii, ci o înțelegere a ceva prin aceste mere înfățișate, sau mai degrabă, generarea înțelegerii lor despre ceva. altfel. Cezanne „gândește în mere” - se realizează ceva în minte, la care pur și simplu nu putem conduce cu atenția ochilor. O lungă stare pasiv-contemplativă în fața imaginii nu va ajuta aici. Aveți nevoie de împlinire spirituală interioară, muncă independentă gânduri, nu doar privind.
Pentru a nu obține nicio impresie din pictură, este suficient să vă luați ochii de la ea, dar pentru a nu obține deloc impresii, pentru a nu „răpi” la recunoașterea asemănării cu ceea ce este, cu ceea ce a fost. în alte tablouri, la ceea ce este obișnuit și acceptat, și pentru a pătrunde prin vizibil în invizibil (dirijat), este nevoie de capacitatea intelectului, și mai ales subtil dezvoltată, când „vizibilul” picturii realiste pare a fi „iluzionismul”. ” (ceea ce, desigur, nu exclude existența iluzionismului în pictură, care este legat de realismul nu are).
Dacă vorbim despre tehnica picturii, atunci putem studia cea folosită tehnici artistice. Aici este important să poți distinge pictura în ulei de tempera, vârful uscat de lacul moale în gravură. Acest lucru duce la concluzia că studiul unei opere de artă este o disciplină complet științifică, deși trebuie remarcat că există și alte aspecte ale artei - de natură cu mai multe fațete, care nu se încadrează într-o schemă simplă de colectare a informațiilor, ci aparțin într-o zonă cu totul diferită în care este dificil de dat o evaluare obiectivă și unde susceptibilitatea și gustul sunt factorii determinanți.
Pe lângă studiul biografic, istoric sau pur tehnic, există o altă modalitate de a te familiariza cu arta - să privești mereu o operă de artă fără prejudecăți și direct, încercând, mai ales la prima cunoștință personală, să uiți măcar pentru o vreme totul. că ați citit sau ați auzit despre el și care vă poate afecta percepția într-un fel sau altul. În acest scop, puteți cumpăra postere ieftine de diferite direcții în pictură și puteți încerca să înțelegeți cu atenție această sau acea imagine, dar trebuie avut în vedere că posterul este din hârtie și nu transmite volum. Dacă cumpărați o imprimare pe pânză, atunci textura pânzei în sine, datorită refracției luminii, va crea o senzație de un anumit volum, iar imaginea va dobândi o perspectivă plină de viață. Dacă cumpărați o reproducere, chiar și o imprimare de foarte bună calitate, ar trebui să țineți cont de faptul că nu va exista un transfer de paletă 100%.
Și încă un lucru: este important să nu vă pregătiți din timp pentru a face cunoștință cu lucrarea ca un lucru prețios, unic, văzând în ea, în primul rând, cea mai mare valoare care necesită o reverență reverentă și, cel mai important, să nu fiți. ghidat de câte mii de dolari este determinată valoarea sa. Trebuie să te predai sentimentelor tale interioare și să te predai fără pasiune influenței imaginii și nu contează dacă este un original scump sau un poster, o imprimare pe pânză sau o reproducere ieftină. Chiar dacă cumpărați un tablou ieftin, acesta vă poate atinge firele emoționale atât de mult încât se dovedește a fi cea mai valoroasă și mai scumpă piesă de artă pentru dvs., cum ar fi portretul dvs. personal. Nu este greu să comanzi un portret în ulei sau să tipărești o fotografie pe pânză astăzi. Tehnologiile vă permit să faceți acest lucru rapid și eficient, principalul lucru este că confortul interior atunci când luați în considerare o astfel de imagine nu vă părăsește.
Privitorul ar trebui să simtă că poza devine pentru el, parcă, un interlocutor: îi răspunde la întrebări, întreabă ea însăși despre ceva, te pune pe gânduri. Momentul în care opera unui artist evocă un ecou viu în sufletul nostru, când începem să simțim cum o operă de artă ne dezvăluie treptat toată bogăția enormă a conținutului ei, a imaginilor sale - acesta este momentul adevăratei „înțelegeri” . Și nu contează deloc ce fel de autor, poți cumpăra o imagine a autorilor europeni sau un peisaj necunoscut, esența este într-un singur lucru - percepția corectă, răspunsul armonios al sufletului tău.
Pentru a clarifica această idee, am ales două portrete realizate în țări diferite și în momente diferite, dar întruchipând viu ideea figurativă. Juan de Pareja, înfățișat într-unul dintre cele mai faimoase portrete ale lui Velasquez, are o privire deschisă, inteligentă și perspicace, o ipostază mândră. Poza este realizată cu linii largi calme care caracterizează stilul scrisului autorului.
Sufletul neliniștit al lui Van Gogh este exprimat în celebrul „Autoportret într-o pălărie de paie”. Alegându-se ca model, artistul nu s-a limitat doar la transferul asemănării exterioare; mișcări groase, flexibile, agitate indică o stare de tensiune dureroasă, anxietate. Și conform statisticilor, atunci când vizionează această imagine în direct, mulți experimentează încă un tremur. Astăzi puteți comanda o imprimare portret pe pânză, alegând în același timp un artist cu un stil similar de scriere, iar atunci când luați în considerare, puteți obține o cădere mentală.
Nu numai că ne facem o idee despre calitățile și caracteristicile personale ale personajelor specifice și recunoscute - contemplare, „înțelegerea imaginii ne îmbogățește cunoștințele despre noi înșine. Percepția, înțelegerea experienței diverse a multor biografii întruchipate în tablouri ajută la o mai bună înțelegere a naturii omului, a lumii complexe a pasiunilor, aspirațiilor, personajelor, intereselor. A înțelege arta înseamnă a putea vedea lumina apusului în peisajul lui Camille Corot, a recunoaște în chipurile Madonelor surprinse de artiștii Renașterii, chipurile a sute de mame, a simți mișcarea în scena înghețată. a unui meci de fotbal. Înțelegerea implică un dialog cu imaginea, iar aceasta necesită imaginație, un zbor de gândire, precum și anumite abilități și cunoștințe. Multe sunt dezvăluite privitorului sensibil și atent.
Aici se cuvine să amintim afirmația lui Rainer Maria Rilke, care a manifestat un mare interes pentru artele plastice, în special pentru opera lui Cezanne. Poetul a numit operele acestui artist un discurs nerostit care nu poate fi exprimat în cuvinte. Percepția unei opere de artă este procesul de înțelegere a ceea ce este uneori imposibil de exprimat într-o formă lingvistică.
În ciuda acestei complexități notorii, privitorul este capabil să învețe să înțeleagă bine și liber toate subtilitățile limbajului artistic, care se vor dezvolta în el. creativitate, va contribui la noua sa viziune asupra artei. Prin urmare, uneori, atunci când acoperim anumite subiecte într-o carte, apelăm la alegorie, metafore, aluzii care ajută la dezvăluirea trăsăturilor particulare ale picturii.
Artiștii antichității, marii pictori ai Renașterii și ai Barocului, artiștii secolului al XX-lea au întruchipat pe suprafața unei pietre, a unei scânduri de lemn, a unei pânze fenomenele realității, reale sau imaginare, care continuă să trăiască sub privirea privitorului se întoarse spre ei, curioasă, întrebătoare, admirativă. Sau surprins.
Întocmită de profesoara Arkhipova G.V.
Arta este un mijloc de educație estetică, baza educației artistice și a dezvoltării copilului. Inițierea la ea face parte din formarea culturii estetice a individului. Cultura artistică se formează în procesul de învățare a artei. Arta inconjoara o persoana din momentul nasterii si ii face cunostinta lumea prin sisteme de imagini artistice, opere. Fiecare tip de artă are propriile sale mijloace specifice de exprimare, care contribuie la cunoașterea figurativă a lumii din jurul copilului printr-o varietate de forme, culori, sunete. Lumea interioară a unui copil este viu reprezentată în operele de artă create de el. În procesul de stăpânire a artei, se dezvoltă proprietățile și calitățile personale, copilul învață să trăiască în conformitate cu legile frumuseții. Operele de artă aduc bucuria cunoașterii, a descoperirii, trezesc sentimente de bucurie a frumosului. Predarea diferitelor tipuri de activitate artistică oferă ulterior copiilor bucuria creativității, formează un interes pentru artă, care persistă pe tot parcursul vieții unei persoane și servește ca unul dintre fundamentele dezvoltării spirituale a unei persoane.
Având în vedere particularitățile artei (gravitația tipuri diferite artă la interconectare), este important să se utilizeze o abordare integrată a studiului artei de către preșcolari. O percepție și o înțelegere cu drepturi depline a artei de către copii se realizează sub condiția cunoașterii intenționate cu arta ca urmare a activitate creativă. Educația artistică face parte din educația estetică. Este indisolubil legată de sarcinile educației estetice, de dezvoltarea cuprinzătoare a copilului. Cunoașterea fiecărui tip de artă necesită cunoașterea istoriei artei în general, a trăsăturilor limbajului artei (mijloace de exprimare, materiale) și a formelor operei acesteia.
Astfel, copiii sunt introduși în fiecare tip de artă și, în același timp, se dezvăluie relația și interacțiunea lor.
Se remarcă arta populară, profesionistă, amatoare. Copiii preșcolari au acces la percepția și dezvoltarea artei populare în toată diversitatea ei, iar aspectele regionale, naționale trebuie luate în considerare. În primul rând, se face cunoștință cu ceea ce este aproape de copil, îl înconjoară Viata de zi cu zi(acasă, pe stradă). Un factor important în dezvoltarea creativă este familia, tradițiile ei. Este de dorit chiar și la vârsta preșcolară să le oferim copiilor posibilitatea de a-și încerca lucrul cu diferite materiale (lut, lemn, țesătură, lână, margele etc.), precum și în diferite tipuri de activități artistice (muzicale, vizuale, teatru, jocuri).
Cunoașterea cu arta profesională implică un anumit nivel dezvoltarea mentală, intelectuală și estetică și contribuie în același timp la această dezvoltare. Un copil de vârstă mijlocie și de vârstă preșcolară senior ar trebui să poată înțelege deja termenii, conceptele, istoria artei, mijloacele de exprimare, precum și percepția directă a operelor de artă (toate tipurile de expoziții, spectacole de teatru).
Un element important de cunoaștere cu arta este activitatea artistică independentă a copilului, organizarea de spectacole speciale. Expozitii creativitatea copiilor etc., unde copilul și-ar putea arăta sentimentele, gândurile, atitudinile, abilitățile și aptitudinile artistice.
În conformitate cu conceptul de educație estetică, arta în procesul pedagogic este utilizată în trei direcții: în proiectarea estetică a mediului de dezvoltare al instituției pentru copii, în care se desfășoară viața și activitățile copiilor; în familiarizarea copiilor cu operele de artă ca fenomen al culturii artistice interne și mondiale; în dezvoltarea creativităţii artistice şi a abilităţilor copiilor.
Arta ocupă un loc aparte printre alte valori estetice și apare în fața oamenilor care o percep sub forma unor opere de artă create de pictori, sculptori, scriitori, muzicieni - toți artiști în diferite perioade ale dezvoltării istorice a societății. Ea reflectă atât lucrurile existente, cât și cele dispărute de mult, fenomene naturale și oameni, își păstrează imaginile pentru noile generații. Arta extinde experiența socială a unei persoane, interacțiunea sa cu natura și societatea, cu alți oameni. Aceasta este funcția comunicativă a artei. De asemenea, contribuie la cunoașterea lumii înconjurătoare prin imagini artistice în pictură, grafică, sculptură, arhitectură. În procesul de învățare și educare a copiilor, rolul educațional al artei crește.Arta plastică are propriul „limbaj”, care îl ajută pe artist să-și exprime gândurile, sentimentele, atitudinea față de realitate. Imaginile de artă, datorită cunoașterii „limbajului”, sunt percepute luminos, viu, se formează sentimente, provoacă o atitudine emoțională față de evenimente și fenomene, ajută la perceperea mai profundă a realității înconjurătoare.
Introducerea în artele plastice începe deja la vârsta preșcolară, când copilul primește primele impresii artistice. În această perioadă, el percepe emoțional operele de artă (pictură, sculptură, ilustrație, obiecte decorative), înțelege treptat „limbajul” lor artistic. Psihologii notează posibilitatea apariției timpurii a percepției estetice la copii, care în dezvoltarea sa trece printr-o anumită cale de formare. Atitudinea estetică față de subiect oferă o serie de momente cognitive și, în conformitate cu aceasta, capacitatea de a corela forma și conținutul, imaginea artistică și obiectul reprezentat, o abilitate care poate apărea doar într-un anumit stadiu al dezvoltării copilul. Potrivit psihologilor, percepția operelor de artă trece prin mai multe etape de dezvoltare: de la o înțelegere superficială, pur externă, a contururilor și calităților vizibile, până la atingerea esenței și profunzimii. continut artistic. Numai la vârsta preșcolară senior, în legătură cu acumularea de impresii din cunoașterea unei game largi de fenomene, odată cu apariția experienței de viață, capacitatea de a observa, analiza, clasifica, compara și alte operații mentale, copilul este capabil să apreciați obiectul de artă, pentru a vedea diferența dintre realitate și imaginea ei. Este necesar să se dezvolte activ percepția estetică a copilului asupra operelor de artă, să-l învețe să evidențieze mijloacele expresive ale unei opere de artă, de diferite tipuri și genuri.
Percepția picturii de către copii. Experiențele emoționale timpurii asociate cu percepția artei, frumuseții, lasă adesea o amprentă de neșters pe sufletul unui copil. De-a lungul anilor, această primă atracție, nu întotdeauna conștientă, pentru frumos se transformă într-o nevoie de a cunoaște și înțelege arta. Potrivit cercetătorilor, atunci când percep pictura de diferite genuri, copiii preferă pictura genului de zi cu zi mai mult și mai puțin natura moartă și peisaj. Imaginea intriga atrage copiii cu un conținut interesant, fascinant. În același timp, ei, de regulă, nu acordă atenție laturii estetice a imaginii. Natura morta și mai ales pictura peisajului trezesc interesul copilului pentru înfățișarea obiectelor, fenomenelor naturale, combinațiilor de culori, colorării. În picturile de gen de zi cu zi, copiii sunt atrași de diverse teme: sport, imagini cu animale. Interesul pentru subiect nu este același pentru fete și băieți. Băieții manifestă cel mai mare interes pentru sport și teme eroice, iar fetele în lumea animalelor. Unii copii au un interes constant pentru un anumit subiect. Copiii de 5-7 ani, alegând „cea mai frumoasă” poză, pot fi ghidați de sentimentele estetice cauzate de armonia culorilor, luminozitatea culorilor și combinația lor. Copiii de 3-4 ani, percepând imaginea, de regulă, nu disting încă calitățile estetice, sunt atrași de modalitățile de reprezentare („pentru că au pictat cu vopsele”). Un copil la această vârstă nu poate recunoaște și exprima în cuvinte emoțiile sale, numite calități estetice elementare ale obiectelor reprezentate. Dar aceste calități îl atrag, îl influențează și provoacă emoții vesele. peisagistică apropiată de copii în observațiile lor asupra naturii, are un impact emoțional și estetic, care se manifestă în vorbirea lor. Copiii își găsesc imaginile poetice pentru a caracteriza fenomenul perceput, folosind metafore, comparații și alte mijloace de exprimare. Textul poetic are un efect pozitiv asupra percepției imaginii, aprofundând percepția acesteia. Îi ajută pe copii să perceapă în mod conștient mijloacele expresive folosite de artist, să vadă în ei mijloacele de caracterizare a imaginii. O condiție necesară pentru înțelegerea semnificației sociale a conținutului picturii de gen este o atitudine personală față de fenomenele sociale exprimate în pictură. Acționează ca un indicator al percepției emoționale a picturii de gen, precum și ca un factor important în procesul de formare a socializării personalității unui preșcolar. Stilul imaginii artistice are o mare influență asupra percepției copiilor asupra operelor de artă plastică. Laconic, strălucitor la culoare, tabloul evocă sentimente estetice persistente. La grădiniță, este necesar să existe o selecție de reproduceri de artă de arte plastice de diferite tipuri și genuri.
Percepția copiilor asupra graficii. Primele cărți cu ilustrații strălucitoare și frumoase ale artiștilor deschid copilului o fereastră în lumea imaginilor vii, în lumea fanteziei. Un copil mic reacționează emoțional când vede ilustrații colorate, strânge o carte pentru sine, mângâie imaginea din imagine cu mâna și vorbește cu personajul desenat de artist de parcă ar fi în viață. Aceasta este marea putere a influenței graficii asupra copilului. Este specific, accesibil, de înțeles copiilor preșcolari și are un impact educațional uriaș asupra lor. Psihologii, istoricii de artă, profesorii au remarcat originalitatea percepției copiilor asupra imaginilor grafice: ei sunt atrași de un desen colorat și, odată cu vârsta, acordă mai multă preferință colorării reale, același lucru se remarcă în ceea ce privește cerințele copiilor pentru realism în formele imaginii. La vârsta preșcolară mai mare, copiii au o atitudine negativă față de convențiile formei. Percepția operelor de artă grafică poate atinge diferite grade de complexitate și completitudine. Depinde în mare măsură de pregătirea unei persoane, de natura experienței sale estetice, de gama de interese, de starea psihologică. Dar mai ales depinde de opera de artă în sine, de conținutul ei artistic, de idei. Sentimentele pe care le exprimă. Privind ilustrația, copiii preșcolari nu numai că răspund emoțional la culoare și formă, dar înțeleg și ceea ce este reprezentat. Imagine artisticăîn ilustrație este perceput de copii în mod activ, emoțional. Cu mișcările, gesturile lor, preșcolarii imită adesea personaje, examinează cu curiozitate o ipostază neobișnuită, expresia facială a unei persoane. Forma, modul de a desena afectează natura percepției, profunzimea observațiilor. Percepând ilustrațiile, copilul participă mental la acțiunile personajelor descrise pe ele, le experimentează bucuriile și necazurile. Ilustrații în care artiștii folosesc tehnici condiționate, distorsionează forma, încalcă grav compoziția desenului, copiii resping, exprimă nemulțumirea. Când ilustrațiile trezesc interes, copiii manifestă dorința de a spune, de a descrie ceea ce este arătat în imagine. Copiii sunt pasionați în special de ilustrațiile din cărțile despre animale, ei preferă desenele care înfățișează animale, în care sunt transmise asemănări depline. Ilustrația ca tip de artă este strâns legată de carte. Capacitatea de a-l percepe în unitate cu textul este unul dintre indicatorii percepției estetice, deoarece o imagine grafică face posibilă vedea și înțelegerea conținutului unei poezii, povești sau basm. Nu întâmplător copiii aleg cărți cu ilustrații și încearcă să „citească” cu ajutorul lor. Percepția estetică a ilustrației se manifestă în capacitatea copilului de a descrie acțiunea reprezentată, de a înțelege relația dintre personaje, eroii operei. Importanța ilustrației într-o carte pentru copii ar trebui să fie foarte apreciată, deoarece odată cu examinarea acesteia începe o altă etapă în cunoașterea mediului, copiii îl urmăresc de bunăvoie pe artist într-o nouă lume de imagini vii, ficțiune, o combinație de real și fabulos. . Ei se alătură acestui proces cu interes, acest joc de fantezie și imaginație.
Percepția sculpturii de către copii. În realitate, copiii se întâlnesc cu lucrări de sculptură de diferite tipuri (monumental, șevalet, sculptură de forme mici). Atunci când percep o imagine plastică, ei învață să înțeleagă specificul „limbajului” sculpturii, deoarece oferă o imagine tridimensională a unui obiect în spațiul real, îmbogățește copilul cu noi moduri de viziune artistică. Spre deosebire de pictură, grafică, imaginile sculpturii au un volum real și un material specific. Acest lucru evocă perceptorului un sentiment de greutate, greutate, o dorință de a atinge sculptura, de a înțelege ipostaza plastică, compoziția ritmică. Având în vedere caracteristicile de vârstă ale copiilor preșcolari, este indicat, în primul rând, să folosiți sculptura de forme mici ale genului animal. Sculptorii de animale subliniază caracteristicile psihologice ale animalului, reflectându-l lumea interioara(lucrări de V.A. Vatagin), sau se străduiesc să sublinieze decorativitatea, plasticitatea formelor (lucrări de I.S. Efimov). Pentru a dezvolta percepția estetică, trebuie să cunoaștem „limbajul” artistic al unei lucrări sculpturale. Când examinează figurile sculpturale, copiii preferă sculptura care transmite în mod natural imaginea unui animal. Lipsa de cunoștințe despre specificul „limbajului” artistic al sculpturii îi duce adesea pe copii la judecăți greșite. Pentru dezvoltarea creativității în activitatea vizuală, nu numai abilitățile și abilitățile sunt importante, ci este necesar să se învețe copilul să perceapă estetic imagini de artă de diferite tipuri și genuri. În acest scop, lucrările de artă plastică sunt folosite în grădiniță, dar cunoașterea lor se realizează cel mai adesea prin vizionarea de reproduceri, ilustrații, diapozitive. Interesul pentru sculptură la copii se manifestă în expresii faciale, acțiuni active și examinări. Ei pot caracteriza în mod independent sculptura, pot înțelege plasticitatea mișcării, expresivitatea culorii. Percepând forma în timpul unui examen special organizat, copilul își amintește cu ajutorul simțului muscular și în același timp învață câteva modalități de înfățișare a obiectelor și a figurilor.
Cunoștințele elementare ale sculpturii fac posibilă tragerea de concluzii, argumentarea și compararea imaginilor plastice. Varietatea materialelor sculpturale (piatra, lemn, metal, ceramica) imbogateste foarte mult experienta senzoriala a copiilor, iar dimensiunea redusa a sculpturilor mici o face accesibila fiecarui copil. Sculptura formelor mici ale genului animal nu numai că îmbogățește estetic preșcolarii mai mari, dar le oferă și posibilitatea de a dobândi noi cunoștințe despre animale. În mare măsură, acest lucru este facilitat de clasele de modelare, de întocmire povești creativeîn sculptură, în procesul căreia are loc formarea judecăților inițiale, evaluarea estetică la copii. În concluzie, trebuie menționat că doar impactul complex al artelor plastice de toate tipurile și genurile va contribui la dezvoltarea armonioasă a personalității copilului, a percepției sale estetice, capacitate artisticăîn creativitate.
Arta nu oferă doar plăcere estetică, ci introduce una dintre cele mai dificile arte pe care toată lumea trebuie să le stăpânească - aceasta este arta de a vedea lumea. Arta ajută să cunoști lumea din jurul tău mai profund, să simți mai viu și să observi mai mult. Astfel, arta este o formă specială de cunoaștere și educație.
