Opis in analiza umetniške slike. Kompozicijska analiza slike

Ta načrt bo potreben skozi vse leto, tudi za delavnice v muzeju.

1. Uvod

O kakšnem delu govoriš? Avtor, naslov, datum, zbirka, tehnika(v obliki polnopravnih fraz, ne kataloške reference). Biografije ni treba prepisati.

Namen in naloge dela(4-5 stavkov v uvodu). O čem pišete in zakaj? Zakaj so bila ta dela izbrana? Kako natančno bo analiza opravljena? Zakaj je ta analiza potrebna? Zakaj morate primerjati dela?

Uvodne besede o obdobju, slogu, epohi ...

2. Opis in analiza dela

V vsakem od poddelov se izvede razmerje med formalno napravo in sliko.. Kdaj primerjave opis in analiza potekata bodisi zaporedno (drugo delo primerjamo s prvim) bodisi vzporedno.

Opis dela. Kaj je prikazano? Žanr, tema, zaplet.

Sestavna shema in njene funkcije

• velikost
• format (navpično in vodoravno podolgovati, kvadratni, ovalni, okrogli, razmerje stranic)
• geometrijski vzorci
• glavne kompozicijske linije
• ravnotežje, razmerje delov slike med seboj in s celoto,
• zaporedje gledanja

Vesolje in njegove funkcije.

• Perspektiva, izginjajoče točke
• ravnost in globina
• prostorskih načrtov
• distanca med gledalcem in delom, mesto gledalca v prostoru slike ali zunaj njega
• gledišče in prisotnost kotov, linija obzorja

Chiaroscuro, volumen in njihova vloga.

• volumen in ravnina
• linija, silhueta
• viri svetlobe, čas dneva, svetlobni učinki
• čustveni vpliv svetlobe in sence

Barva, barva in njene funkcije

• prevlada tonske ali lokalne barve
• tople ali hladne barve
• linearnost ali slikovitost
• glavne barvne lise, njihova razmerja in njihova vloga v kompoziciji
• ton, valery
• refleksi
• čustveni učinek barve

Površinska tekstura (razmaz).

• narava poteze (odprta tekstura, gladka tekstura)
• usmerjenost razmaza
• velikost razmaza
• zasteklitev

3. Zaključek

Ponavljanje ključnih ugotovitev v zvezi podoba, pomen dela.

ANALIZA DEL

VIZUALNA UMETNOST

Anžero - Sudžensk

ODDELEK ZA IZOBRAŽEVANJE IN ZNANOST REGIJE KEMEROVSK

GOU SPO ANZHERO - SUDZHENSKY PEDAGOGICAL COLEGE

ANALIZA DEL

VIZUALNA UMETNOST

Svet GOU SPO Anzhero -

"____" ____________ 2009

Predsednik RIS

Recenzent:

poučevanje

GOU SPO Anzhero - Sudzhensk Pedagogical College.

Analiza likovnih del: Navodila. - Anzhero - Sudzhensk: GOU SPO Anzhero - Sudzhensk Pedagogical College, 2009 - str.

V tem metodološki razvoj obravnavana so vprašanja, povezana z analizo likovnih del.

Njegove prednosti vključujejo prisotnost aplikacije, ki vsebuje načrte in algoritme za analizo likovnih del.

© GOU SPO Anzhero-Sudzhensky

Pedagoška šola

	Uvod ………………………………………………………………..
	Metodološke osnove za analizo likovnih del…………………………………………..
	Literatura ……………………………………………………………..
	Aplikacija ……………………………………………………………

UVOD

Kako gledamo na svet

Preden govorimo o analizi likovnih del, pomislimo, zakaj jih imenujemo tudi vizualna in čemu so pravzaprav namenjena. "Za pobožanje pogleda, za oči!" - boste rekli in imeli boste prav, čeprav, če govorimo o arhitekturi in oblikovanju, potem lahko božajo ne le videz, ampak tudi telo. Likovna umetnost je osredotočena na vizualno percepcijo. Raziščimo to našo sposobnost videnja.

Torej, običajna oseba gleda z dvema očesoma, v vsakem očesu je optično središče - točka, iz katere se najbolj jasno vidi slika okoliških predmetov. To pomeni, da ima naprava našega vida dva fokusa. Naredimo poskus: vzemite list papirja, vanj naredite majhno luknjo in skozi to luknjo na razdalji roke poskusite pogledati oddaljeno točko na steni (na primer stikalo). Ne da bi premaknili roko, bomo izmenično zapirali bodisi desno ali levo oko - slika stikala v luknji bo bodisi izginila bodisi se znova pojavila. Kaj bi to pomenilo?

V človeškem vizualnem aparatu deluje samo en fokus - bodisi desno ali levo oko (odvisno od tega, katero oko je vodilno: če slika izgine, ko je desno oko zaprto, potem je vodilno, če pa levo, potem vodilno levo oko). Eno oko vidi "zares", drugo pa opravlja pomožno funkcijo - "pokuka", pomaga možganom dopolniti sliko do celote.

Med splošnim pogovorom natančno poglejte sogovornika. Vaš vid fiksira njegovo desno oko (za vas bo levo) in jasno vidite samo njega. Preostala sogovornikova podoba se postopoma zamegljuje od sredine (od desnega očesa) proti obrobju. Kaj to pomeni? Leča našega očesa - leča - je urejena v obliki krogle. In slika okoli robov bo vedno zamegljena – predmet se jasno odseva le v eni sami točki ostrenja. Dlje ko je stran od fokusa, bolj je slika zamegljena.

Jasno je, da se pri takšnih »mizernih možnostih« vida naravno popačijo prostor, oblika predmetov in celo barve. Paradoks je, da večino predmetov ne vidimo toliko, kot mislimo, popolnoma ne zavedamo mehanizmov našega vida. In ker se naš vid neopazno kali v kulturnem prostoru družbe (in v preteklih šeststo letih je ta vadba potekala predvsem v neposrednih linearnih perspektivah klasike), niti ne pomislimo na tako preproste stvari, ki pridejo do um fiziologov oz umetniki. In še vedno mislimo, da je meja realizma podobe v delih Potepuhov in ne v slikarstvu Cezanna.

Tako smo prišli do teme analize likovnih del. Likovno umetnost lahko dojemamo na dva načina: s srcem, z umom. To je metodološka osnova za razumevanje vsake umetnosti.

METODOLOŠKE PODLAGE ZA ANALIZO LIKOVNIH DEL

Tisti, ki se prvič srečajo z analizo katerega koli umetniškega dela, se skoraj takoj pojavijo naravna vprašanja: »Ali je analiza v umetnosti res potrebna? Ali ne ubija živega, neposrednega, čustvenega dojemanja umetnosti? Obvezno, če je opravljeno pravilno.

Jasna analiza ne posega v čustveno umetnost, ampak pomaga razkriti nove vidike dela, ki prikazuje globok pomen. Da bi to naredili, se analiza ne bi smela ustaviti pri preprosti izjavi o prisotnosti predmeta ali lika na platnu, pri pripovedovanju zapleta, ampak iti dlje (ali globlje) do pomena slike.

Toda pomen je izražen skozi zunanjo obliko. V delu nam neposredno ni dan pomen, ampak le določena forma. In to moramo »prebrati«, videti pomen za tem. Poleg tega umetnik gradi formo del tako, da bolje izraža pomen, ki ga potrebuje.

Vsako umetniško delo ima več nivojev. To so čustvena, predmetna, zapletna, simbolna raven in raven notranje naprave (mikrovezja) dela.. Naše dojemanje umetnosti se začne s čustvi.

čustveni ravni.

Prva stvar, ki jo »ujamemo«, je čustvena struktura dela. Je slovesno ali lirično, smo smešni ali žalostni. Če delo na nas ni čustveno vplivalo, potem nadaljnje analize ne bo.! Zato je zelo koristno na začetku analize poskušati ujeti tista čustva, ki se porodijo iz komunikacije z delom. To je še toliko bolj potrebno, če delo že dolgo poznamo. Navsezadnje smo se nehote spomnili tistih »starih« čustev, ki jih je nekoč v nas vzbudilo platno. Ampak zdaj smo drugačni in zato je naše dojemanje drugačno. In zdaj bomo imeli drugačna čustva za staro, davno preteklost znano delo. Zelo koristno je, da učenci na začetku analize zastavijo vprašanje o prvem vtisu, ki ga ustvari slika.

Poleg tega je treba ta prvi vtis ohraniti in vzdrževati na vse možne načine skozi celotno analizo. Pogosto je prav ta prvi čustveni vtis tisti, ki preizkusi pravilnost analitičnih zaključkov. Postopoma se v procesu analize preverja pravilnost analitičnih zaključkov. Postopoma, v procesu analize, začnemo videti, kako umetnik doseže ta ali oni čustveni vtis.

Tudi zaključek analize naj bo čustven. Čisto na koncu pa ni le koristno, ampak preprosto nujno, da se še enkrat vrnemo k celostnemu čustvenemu vtisu. Šele zdaj je čustvo okrepljeno s spoznanjem pomena.

Vzorčna vprašanja za analizo dela na čustveni ravni.

1. Kakšen vtis naredi delo?

3. Kakšne občutke lahko doživi obiskovalec (arhitektura)?

4. Kakšna je narava dela?

5. Kako k čustvenemu vtisu pomagajo merilo dela, format, navpična, vodoravna ali diagonalna razporeditev delov, uporaba arhitekturnih oblik, uporaba barv v sliki in porazdelitev svetlobe?

Predmetna stopnja.

Odraža tisto, kar je neposredno prikazano. Na tej ravni se analiza začne takoj. Vsak predmet, vsak lik ali pojav je izjemno pomemben. Na slikah dobrih umetnikov ni naključnih stvari. Zato že preprosto naštevanje tega, kar se nahaja na platnu, že da misliti.

In tu pogosto naletimo na težave.

Človekova pozornost je selektivna in je lahko dolgo časa ne opazimo pomembna podrobnost. Da, in zgodovinske stvari se včasih spremenijo do neprepoznavnosti. Ali kostum, ki v kateri koli dobi sodobniku veliko pove o človeku - navsezadnje je to cela enciklopedija ne le zunanjega življenja, ampak tudi morale, likov, življenjskih ciljev.

Zato si morate vzeti pravilo, da začnete "brati" sliko s temeljito razjasnitvijo pomena in namena vseh stvari, ki so na njej. Predmetni svet slike so tiste besede, ki sestavljajo »besedilo, ki nam je dano«.

Že na tej stopnji, na začetku spoznavanja objektivnega sveta slike, zelo hitro opazimo, da vsi predmeti in obrazi niso naključno raztreseni po platnu, ampak tvorijo nekakšno enotnost. In nehote začnemo dojemati to enotnost, ustvarjanje prvi korak k kompoziciji slike. Končno ga bomo obvladali čisto na koncu. Vendar je treba takoj začeti opazovati posamezne značilnosti. Praviloma je takoj jasno, da najpomembnejši elementi tvorijo preproste in jasne oblike (trikotnik, krog, piramida, kvadrat ...). Te oblike umetnik ne izbira poljubno, ustvarjajo določeno čustveno strukturo. Krog in oval pomirjata, popolna. Kvadrat ali ležeči pravokotnik ustvarja občutek stabilnosti in nedotakljivosti. Piramida in trikotnik dajeta gledalcu občutek aspiracije. Na tej stopnji analize je na sliki enostavno ločiti glavno in sekundarno.

Ločen predmet, ločena barva, ločena poteza ne pomaga razumeti pomena. Pomembna so le njihova razmerja. Skozi razmerje barv, zvokov, tem, objektov, volumnov je treba znati »prebrati« pomen dela.

Kontrastna nasprotja, prevlada gibanja ali počitka na platnu, razmerje med ozadjem in figurami - vse to je že zaznati na tej stopnji analize. Tu opazimo, da je prenos giba diagonala, prosti prostor pred objektom, podoba vrhunca giba, asimetrične sheme; in prenos počitka je odsotnost diagonal, prostega prostora pred predmetom, statične drže, simetrične sheme. A vse to se le beleži. Pravi pomen značilnosti kompozicije bodo za nas dobile šele na samem koncu analize.

Vzorčna vprašanja za analizo likovnega dela na predmetni stopnji.

1. Kaj (ali kdo) je prikazano na sliki?

2. Kaj obiskovalec vidi, ko stoji pred fasado? V notranjosti?

3. Koga vidite na skulpturi?

4. Iz videnega izpostavite glavno?

5. Poskusite razložiti, zakaj se vam zdi to glavna stvar.

6. S čim umetnik, arhitekt izpostavi glavno?

7. Kako so razporejeni predmeti v delu (predmetna kompozicija)?

8. Kako se v delu primerjajo barve (barvna kompozicija)?

9. Kako se v arhitekturnem objektu primerjajo volumni in prostori?

Raven zgodbe.

Takoj želim posvariti pred nevarnostjo, zelo pogosto opozarjam raziskovalca. To je želja po zamenjavi zapleta, ki ga umetnik predstavlja na platnu, z zapletom, poznanim iz zgodovine, mitologije, zgodb o umetniku. Navsezadnje umetnik ne samo ilustrira zapleta, ampak ga razume, včasih pa zelo daleč presega obseg tega zapleta. Sicer pa se rojevajo umetnostnozgodovinske znamke.

Ljudje se pogosto sprašujejo: ali imajo vsa platna zaplet? na žanr oz zgodovinska slika večinoma je očitno. In v portretu, pokrajini, tihožitju? In v abstraktno slikarstvo? Tukaj ni vse tako očitno. Francoska beseda "zaplet" ne pomeni toliko razpleta dogodkov, temveč na splošno "temo" dela ali "razlog, razlog, motiv". In prvi pomen te besede je "predisponiran, predmet". Tako se zaplet pojavi pred nami kot vzročno-posledična razmerja, ki jih je umetnik zgradil na platnu. V zgodovinski ali žanrski sliki se bodo te povezave nanašale na zgodovinske ali vsakdanje dogodke. V portretu - razmerje med individualnostjo portretirane osebe, kaj je, s kom se želi prikazati. V tihožitju - odnos med stvarmi, ki jih je oseba pustila, in osebo samo "za prizori". In v abstraktnem slikarstvu umetnik gradi razmerje linij, lis, barv, likov. In takšno razmerje ni nič manj pomembno in zapletno usmerjeno kot gesta surikovske plemkinje Morozove.

Iz navedenega sledita dva zaključka.

Prvič: zaplet je treba zgraditi na podlagi realnosti določene slike. " Ni v zahtevi izgubljeni sin smisel ni v kesanju samem, ampak v presenečenju, ki ga povzroči takšna očetovska ljubezen, takšno odpuščanje».

In drugi sklep: tako ali drugače, vendar je na platnu vedno prisotna raven zapleta. In zaobiti ga v analizi je preprosto iracionalno. Vzročna razmerja samo gradijo poseben prostor in čas slike.

Nivo parcele pojasnjuje in kompozicijske značilnosti platna. Ločimo sliko-zgodbo in sliko-predstavo, govorimo o slikovitosti in izraznosti na platnu. Tu je določen žanr dela.

In takoj postane jasno, da se vse osebe, predmeti, pojavi na sliki ne pojavljajo v enakem smislu kot v življenju. Nekateri od njih so obdarjeni s posebnim simbolnim pomenom v kulturi, ki je vzgojila umetnika. Drugim je pomen večpomenskih simbolov dal avtor sam. Torej gremo na naslednjo raven - simbolično.

Vzorčna vprašanja za analizo dela na ravni ploskve.

1. Poskusite povedati zaplet slike.

2. Poskusite si predstavljati, kateri dogodki se lahko pogosteje dogajajo v tem arhitekturnem delu.

3. Kaj lahko naredi (ali pove) ta skulptura, če oživi?

simbolni ravni.

Na simbolni ravni se zdi, da se vračamo k predmetni vsebini slike, vendar na drugi kvalitativni ravni. Tihožitni predmeti nenadoma začnejo imeti smisel. Pazi je minevajoči čas prazne lupine- prazno smrtno življenje, ostanki obroka- nenadoma zlomljena življenjska pot.

Poleg tega je vsaka oblika premišljena.

krožna kompozicija je simbol večnosti. Kvadrat (kocka)- to je simbol zemlje, trajnostnega zemeljskega obstoja. Vidimo, da en umetnik sestavi platno in ga razdeli na dele od leve proti desni. In potem se na desni strani pojavijo pozitivne vrednosti, na levi pa negativne. S premikanjem očesa od leve proti desni vidimo začetek dogodka v levi polovici in njegov izid v desni polovici.

Drugi umetnik bo poudaril navpično členitev slike. In takrat začnejo veljati naše predstave o vrhu in dnu v svetu okoli nas. Visok, nizek ali srednji horizont, "barvna teža" vrha ali dna platna, nasičenost enega ali drugega dela s figurami, odprtost prostora - vse to postane predmet analize na simbolni ravni.

Ne smemo pozabiti, da je pomemben simbol tudi sama vertikalna ali horizontalna kompozicija slike. Ikonografske konstrukcije se odvijajo navpično, novoveške slike pa so skoraj vse vodoravne.

In čeprav je slika ureditev letala, si umetniki nenehno prizadevajo obvladati globino prostora. Globino prostora lahko razkrivamo na različne načine. In vsaka od njih je simbolična. Bližnji predmeti zakrivajo oddaljene. Globina prostora je "izrisana" zaradi ravnine tal, zemlja - dno dobi na sliki glavni, miroljubni pomen. Globina je zgrajena s pomočjo arhitekturnih struktur. In arhitektura začne aktivno vplivati ​​na like – jih povzdigne ali pritisne navzdol, skrije ali postavi na ogled.

Na tej stopnji analize sta barva in svetloba na sliki velikega pomena..

Znano je, da so bile barve v starodavnem svetu in srednjem veku jasno vezane na ustrezen način, saj so bile svetli simboli. In ker je v slikarskem delu barva glavno sredstvo za gradnjo slikovnega sveta, se temu simbolnemu vplivu ne izognejo niti umetniki novega veka. Svetloba in tema sta bili vedno za človeka ne le pogoji resnično življenje. A tudi simbolna nasprotja zunanjega in notranjega: svetel obraz in notranje razsvetljenje; temno slikarstvo in trd način življenja. Tako se postopoma vgrajuje grandiozni sistem sveta tega platna.

Vzorčna vprašanja za analizo dela na simbolni ravni.

1. Ali so v delu predmeti, ki nekaj simbolizirajo?

2. Ali imajo kompozicija dela in njeni glavni elementi simbolni značaj: vodoravno, navpično, diagonalno, krog, barva, kocka, kupola, lok, obok, zvonik, stolp, gesta, poza, oblačila, ritem, tenor itd. .?

3. Kakšen je naslov dela? Kako je povezan s svojim zapletom in simboliko?

Nato se dvignemo na novo raven razumevanja slike. Tu je treba za nas združiti posamezne vidike analize v en sam svet tega posebnega dela.. Na tem končna faza analize na sliki ne sme ostati niti en detajl, ki bi tako ali drugače izpadel iz celote. Tukaj moramo spet govoriti o integriteti. In ta celovitost se pogosteje razume ne logično, ampak čustveno. "Kako čudovito in modro!" - občudovanje bi moralo priti do nas kot rezultat natančne analize. Poskusite miselno premakniti figure v tej obliki, nekatere ugasniti in druge poudariti, in videli boste, da to vpliva ne le na izraznost, ampak tudi na sam pomen slike. Na tej stopnji slika postane "svoje".

Toda to je idealen sistem analize. V resnici nekaj ne gre, nekje ne premislimo, včasih nimamo časa, da bi to pravilno občutili. Toda vsaj enkrat učencem pokazati celoten proces analize, jih popeljati skozi razumevanje, enostavno moramo.

Pri vsakem konkretnem delu lahko izločimo eno raven in na njej delamo z učenci. Še več, vsako umetniško delo dopušča povsem neodvisen obstoj na vsaki od teh ravni. Poleg tega je v enem delu jasno razločena raven zapleta, v drugem pa simbolična.

Za razvoj analitičnih sposobnosti je koristno uporabljati zasebne tehnike:

Ú preprost opis slike, torej tega, kar je na njej dejansko upodobljeno. Takšni opisi izjemno pomagajo pri osredotočanju pozornosti na dano platno, pri vstopanju v svet slike;

Ú strni vsebino. Tukaj učitelj prosi, naj preprosto ponovi sliko, vendar vsakič skrajša svojo zgodbo. Na koncu se zgodba skrči na nekaj zlobnih fraz, v katerih ostane le najpomembnejše;

Ú gradnja hierarhij. Tukaj učitelj skupaj z učenci poskuša povezati vrednote, ki jih je predlagal umetnik, odgovoriti na vprašanje: "Kaj je bolj pomembno?" - ta tehnika je uporabna na vseh ravneh;

Ú ustvarjanje "polja" analize. Pogosto pri »odkrivanju« smisla pomaga kakšno nepomembno dejstvo umetnikove biografije ali dejstvo določene kulture. Našo pozornost usmeri na drugo raven. Naj naše misli uberejo drugačno pot. Zato je treba kopičiti dejstva. In kot kaže praksa, bolj kot se nam zdi nenavadna osebnostna lastnost ali dogodek, več kreativnega za nas vsebuje;

Ú kontemplativna in motorična empatija (empatija). To je že igralska tehnika - poskušati si predstavljati sebe v svetu slike, poskušati zavzeti poze. igralci, si nadeli izraz obrazu se sprehodili po poteh pokrajine. Na poti je veliko odkritij. K tej tehniki se pogosto zatečejo, ko je analiza iz nekega razloga zašla v slepo ulico.

Jasno je, da so lahko oblike analize različne. To so ločena vprašanja v običajni lekciji, ki otroke učijo, da se počutijo kot nekdo, da si nekaj predstavljajo; potopite se v eno ali drugo okolje. To so tudi primerjalna vprašanja. To so vaje pozornosti (kaj vidiš?). To so preproste logične konstrukcije o določenem delu.

Priloga 1

NAČRT ANALIZE SLIKANJA

1. Ime.

2. Pripadnost kulturni in zgodovinski dobi, slogu.

4. Zgodovina nastanka dela.

5. Pomen imena. Značilnosti parcele. ki pripadajo žanru.

6. Kompozicija (kaj je upodobljeno, kako se nahajajo elementi slike, dinamika, ritem).

7. Glavna sredstva likovnega izražanja (barva, črta, svetloba, tekstura, način pisanja).

8. Vaši osebni vtisi.

VZOREC

Slika Savrasova "Prispeli so rokovi". Savrasov je bil neverjeten umetnik, čigar slike se nikoli ne naveličate gledati. So lahki in na voljo v različnih barvah. Bil je umetnik, ki je spremenil rusko pokrajino. Za razliko od drugih umetnikov je upodabljal preproste ruske pokrajine. Ena njegovih najbolj znanih mojstrovin je slika "Roks Have Arrived".

Slika je bila naslikana na prelomu 1860-70. Na njem avtorica upodablja zgodnjo pomlad, trenutek, ko priletijo prve ptice (grapi) in začnejo delati gnezda na drevesih.

Radi bi bili pozorni na barvno paleto slike. Savrasov uporablja vtis oblačne spomladanske pokrajine, hkrati pa sončni žarki naredijo pokrajino bolj sončno. Seveda je pomemben element slike cerkev. Njena silhueta vnaša v podobo sivega dne noto poezije.

Občutiti, kako umetnik z nami občuduje svojo pokrajino.

Priloga 2

NAČRT ANALIZE SPOMENIČKE ARHITEKTURE

1. Ime.

2. Lokacija.

3. Arhitekt(i).

4. Dodelitev naloge:

a) kult;

b) posvetni:

nastanitev,

javna zgradba.

5. Iz česa je zgrajeno. Če je mogoče, navedite razlog za izbiro tega materiala.

6. Značilnosti oblikovanja, s katerim lahko določite slog (ali uporabljene arhitekturne detajle, načrt, dimenzije itd.).

7. Sklepanje o vrsti naloge, arhitekturnem slogu ali pripadnosti kateri koli civilizaciji.

8. Kakšen je vaš odnos do spomenika?. Utemelji svoje mnenje.

VZOREC

1. Djoserjeva piramida.

2. Egipt, Saqqara.

3. Arhitekt Imhotep.

4. Kultna zgradba – grobnica.

5. Gradnja kamna.

6. Oblika stopničaste piramide z grobnico. Višina 60 m, stranska dolžina 120 m.

7. Ni arhitekturnega sloga, zgradba pripada civilizaciji starega Egipta.

8. …

Priloga 3

NAČRT ANALIZE KIPARSTVA

1. Ime.

2. Kipar.

3. vrsta skulpture:

a) v izvedbi:

1. okrogel;

2. Olajšanje:

poglobljeno

§ visok relief.

b) po dogovoru:

1. kult,

2. posvetno,

c) po uporabi:

1. neodvisen,

2. del arhitekturne celote,

3. del arhitekturnega okrasja objekta;

d) po žanru:

1.portret:

§ v polni rasti;

2. žanrska scena.

4.Material, iz katerega je delo izdelano.

5.Stopnja skrbnosti in pozornosti do podrobnosti.

6.Čemu je namenjena večja pozornost (lastnosti):

a) podobnost

b) dekorativni

c) prikaz notranjega stanja osebe,

d) nekaj idej.

7.Ali je v skladu s kanonom, če je bil.

8.Mesto:

a) proizvodnja

b) Kje je zdaj?

9. Slog, smer ali obdobje razvoja kiparstva in njegova manifestacija v določenem delu.

10.Kakšen je vaš odnos do spomenika?. Utemelji svoje mnenje.

Dodatek 4

VZOREC

1. Nike na Samotraki.

2. Skulptura je neznana.

3. vrsta skulpture:

A) v izvedbi - okrogla,

b) po dogovoru - kult,

V) po prvotni rabi - del arhitekturne celote,

G) po žanru - portret boginje v polni rasti.

4. Izdelan iz marmorja.

5. Delo je zelo natančno.

6. Pozornost je namenjena ideji o neustavljivem letu zmage.

7. Kanona ni bilo.

8. Izdelano v Grčiji v 4. st. pr. n. št e., je zdaj v Louvru (Pariz, Francija).

9. Kip starodavne helenistične dobe.

10.Spomenik mi je všeč (ne maram), ker…

Priloga 5

ALGORITMI ZA ANALIZO UMETNIŠKIH DEL

Algoritem za analizo slike.

Glavni pogoj za delo na tem algoritmu je dejstvo, da ime slike ne sme biti znano tistim, ki delajo.

1. Kako bi poimenovali to sliko?

2. Vam je slika všeč ali ne? (Odgovor mora biti dvoumen.)

3. Povejte o tej sliki, da bo oseba, ki je ne pozna, dobila predstavo o njej.

4. Kako se ti zdi ta slika?

7. Ali želite v odgovoru na prvo vprašanje kaj dodati ali spremeniti?

8. Vrnite se k odgovoru na drugo vprašanje. Je vaša ocena ostala enaka ali se je spremenila? Zakaj zdaj tako visoko ocenjujete to sliko?

Algoritem za analizo umetniških del.

2. Pripadnost umetniški dobi.

3. Pomen imena slike.

4. Žanrska pripadnost.

5. Značilnosti zapleta slike. Razlogi za slikanje. Poiščite odgovor na vprašanje: ali je avtor posredoval svojo namero gledalcu?

6. Značilnosti kompozicije slike.

7. Glavna sredstva umetniške podobe: barva, risba, tekstura, chiaroscuro, slog pisanja.

8. Kakšen vtis je ta umetnina naredila na vaše občutke in razpoloženje?

10. Kje se nahaja ta umetnina?

Dodatek 6

Algoritem za analizo arhitekturnega dela.

1. Kaj je znano o zgodovini stvarjenja arhitekturna struktura in njen avtor?

2. Navedite pripadnost tega dela kulturni in zgodovinski dobi, umetniškemu slogu, smeri.

3. Kakšno utelešenje je Vitruvijeva formula našla v tem delu: moč, koristnost, lepota?

4. Pokažite na umetniška sredstva in tehnike ustvarjanja arhitekturne podobe (simetrija, ritem, proporci, svetlosenčna in barvna modelacija, merilo), o tektonskih sistemih (postgremen, suličasti lok, ločna kupola).

5. Navedite pripadnost tipu arhitekture: tridimenzionalni objekti (javne: stanovanjske, industrijske); pokrajina (krajina ali majhne oblike); urbanistično načrtovanje.

6. Izpostavi povezavo med zunanjim in notranjim videzom arhitekturnega objekta, povezavo med stavbo in reliefom, naravo krajine.

7. Kako so pri oblikovanju njegove arhitekturne podobe uporabljene druge zvrsti umetnosti?

8. Kakšen vtis je delo naredilo na vas?

9. Kaj počne združenja umetniška podoba in zakaj?

10. Kje se nahaja arhitekturna zgradba?

Algoritem za analizo kiparskih del.

1. Zgodovina nastanka dela.

3. Pripadnost umetniški dobi.

4. Pomen naslova dela.

5. Pripadnost vrstam kiparstva (monumentalno, spominsko, stojalo).

6. Uporabljeni material in tehnika njegove obdelave.

7. Dimenzije skulpture (če je pomembno vedeti).

8. Oblika in velikost podstavka.

9. Kje se nahaja ta skulptura?

10. Kakšen vtis je na vas naredilo to delo?

11. Kakšne asociacije vzbuja likovna podoba in zakaj?

LITERATURA

1. Ageev, V. N. Semiotika [Besedilo] /. - M.: Ves svet, 2002.

2. Ivlev, S. A. Kontrola znanja študentov pri poučevanju svetovne likovne kulture [Besedilo] /. - M., 2001.

3. inovativen učni modeli v tujih pedagoških iskanjih [Besedilo]. - M: Arena, 1994.

4. Kriško, V. Uvod v etnopsihologijo [Besedilo] /V. Krysko. - M., 2000.

5. metodično gradiva o predmetih "glasba", "MHK", "Gledališče" v kontekstu izobraževalno področje"Umetnost" [Besedilo]: Sat, v pomoč učitelju. – M.: Podjetje MHK, 2001.

6. Ojstrah, O.G. svet likovna kultura[Besedilo]: gradivo za učitelja MHC /, . - M., 2001.

7. Počepcov, G. G. Ruska semiotika [Besedilo] /. - M .: Refl-Book, K .: "Wakler", 2001.

8. Solobud, Yu. P. Besedilotvorna funkcija simbola v umetniškem delu [Besedilo] / // Filozofske vede. - 2002. - št. 2. - Str.46-55.

Na svet gledamo z lastnimi očmi, a umetniki so nas naučili videti ga. S. Maugham.

Simbolizem in Art Nouveau v ruski umetnosti na začetku 20. stoletja. PETROV-VODKIN Kuzma Sergejevič (1878-1939) "Kopanje rdečega konja"

Dogodki oktobra 1917 v prvih porevolucionarnih letih - ta čas je za nas postal zgodovina in celo legenda. Ker ga dojemamo drugače kot naši očetje in dedki, si prizadevamo začutiti in razumeti dobo, njeno patos in dramo, se potopiti v njeno umetnost, mimo kategoričnih izjav politikov.

V eni od knjig, objavljenih leta 1926 (Ščerbakov N. M. Umetnost ZSSR. - Nova Rusija v umetnosti. M., Založba AHRR, 1926), je bila izražena ideja: »... v takih kristalih - slika, pesem , roman, kip - spomenik - dolgo časa ni shranjena samo smrtna, zrcalna senca življenja, ampak tudi del energije, ki stoletja ohranja svoj naboj za tiste, ki se ji približajo "»

Kuzma Sergejevič Petrov - Vodkin (1878 - 1939), predstavnik ruske avantgarde, se je rodil v mestu Khvalynsk v provinci Saratov v družini čevljarja. Kratek čas je študiral v Samari v Sankt Peterburgu, od leta 1897 na Moskovski šoli za slikarstvo, kiparstvo in arhitekturo pri A. E. Arhipovu in V. A. Serovu. Potovanje v Italijo in Severno Afriko, študij na šoli Ashbe v Münchnu in pariških studiih, seznanitev z evropsko umetnostjo so bistveno razširili umetniška obzorja Petrov-Vodkina. Zgodnje obdobje Umetnikovo delo zaznamuje simbolistična usmeritev ("Sanje", 1910), v kateri je slutiti vpliv Vrubela in Borisova-Musatova. Petrov-Vodkin je v Rusiji zaslovel leta 1912, ko je bila na razstavi Svet umetnosti razstavljena njegova slika Kopanje rdečega konja, ki je občinstvo presenetila s svojo drzno izvirnostjo. To umetnikovo delo predstavlja pomemben mejnik v njegovem delu: simbolika njegovega umetniškega jezika najde plastični in figurativni izraz v tradiciji ikonopisja, barvanja - v sistemu tribarvnice: rdeča, modra, rumena. Umetnik želi v človeku odkriti manifestacijo večnih zakonov svetovnega reda, narediti konkretno podobo poosebitev povezanosti kozmičnih sil. Od tod monumentalnost sloga in »sferična perspektiva«, tj. dojemanje katerega koli fragmenta s kozmičnega vidika in razumevanje prostora kot »enega glavnih pripovedovalcev slike«.

Kopanje rdečega konja.

Na ogromnem platnu, skoraj ploščatem rdečem konju, ki zavzema dobro polovico površine celotnega platna (in je velik: 160 x 180 cm), sedi gol deček, pobarvan z oranžno-rumeno barvo. Z eno roko se drži za uzdo, z drugo se naslanja na ogromnega rdečega konja, ki drvi naprej in se namerno obrne proti nam, kot bi poziral. Konj se ne prilega okvirju slike, počiva na njegovih robovih. Oko se mrzlično lesketa, nosnice trepetajo, a mož ga zadrži. Ne velikan, ampak krhek mladenič, najstnik zlahka sedi na konju, zaupljivo položi roko na elastičen križ, zlahka in svobodno nadzoruje konja, ki jasno izstopa na modro-zelenem ozadju rezervoarja, v katerem sta dva več fantov se ukvarja s svojimi konji.

Kaj pomeni tako čudna slika? Da bistvo ni v vsakdanjem zapletu (umetnost se ne ukvarja z vsakdanjim življenjem) kopanja konj (to je razvidno tudi iz imena – navsezadnje ni rdečih konj), je jasno: pomen slika je šifrirana, morate jo znati prebrati. Po eni od sodobnih interpretacij, ki je zelo pogosta, se konj dojema kot simbol Rusije, ki pooseblja njeno lepoto in moč, povezuje se z Blokovo podobo "stepske kobile", ki hiti v galopu, v katerem preteklost Rusije in njena sodobnost ter tista večna, ki bo ostala za vedno. Druga razlaga, še bolj posplošena, ki jo je izrazil likovni kritik D. Sarabyanov: »To so sanje o lepoti, ne vsakdanje, ampak nepričakovane, občutek prebujenja, zbiranje energije pred prihodnjimi preizkušnjami, to je slutnja velikih dogodkov, sprememb. ”

Nejasnost ideje o sliki je potrdil tudi sam Petrov-Vodkin, ki je dve leti po njenem nastanku, ko se je začela svetovna vojna, dejal, da je »nepričakovano zanj prešinila misel - zato sem napisal “ Kopanje rdečega konja ”(Rusakov Yu.A. Petrov-Vodkin, Art., 1975.) Zadnja leta glede tega je bil že ironičen, zavračal je povedano in poudarjal nepripravljenost, da bi svojo sliko vezal na katero koli posebno zgodovinski dogodek: »Ko je izbruhnila vojna, so naši bistroumni umetnostni kritiki rekli: »To je pomenilo» Kopanje rdečega konja «in ko je prišlo do revolucije, so naši pesniki zapisali:» To pomeni rdeči konj «je praznik revolucija" (citirano po: Mochalov L. V. Petrov - Vodkin - L., "Aurora"., 1971.) Nejasnost ideje dela, nejasnost slutenj, ki jih vsebuje, so pravi izraz stanja duha ne samo Petrova - Vodkina, ampak inteligence na splošno v prvih dveh desetletjih dvajsetega stoletja. Izkušnje, želje, sanje ljudi so se tako rekoč uresničile v simbolično rdeči konj. Niso ločeno vsakdanji, ampak visoki, ogromni, večni, kot večne sanje o čudoviti prihodnosti. Za izražanje tega stanja je bil potreben poseben umetniški jezik.

Inovativnost Petrova-Vodkina temelji na njegovem razumevanju umetnosti moderne in prejšnjih obdobij, predvsem dela impresionistov in Matissa, ter tradicije starodavne ruske umetnosti (spomnite se na primer slavne ikone novgorodske šole 15. stoletje »Jurijev čudež o kači«), ki je imel bogata sredstva za prikazovanje večne, duhovne, čiste morale. Jasno definirana silhueta predmetov, lokalno poslikane površine, zavračanje zakonov perspektive in upodobitev volumnov, posebna uporaba barve - znamenita "trobojnica" Petrov-Vodkina so prisotni na tem mejnem platnu za umetnika, ki razkriva izvirnost njegove umetniške govorice. IN bajke tam je tudi podoba jezdeca na rdečem konju. Beseda "rdeča" ima v ruščini širok pomen: rdeča je lepa, kar pomeni ne le lepa, ampak tudi prijazna; rdeča - dekle.

Aktivna privlačnost umetnika k tradiciji ikonopisja ni naključna. Njegovi prvi učitelji so bili ikonopisci iz rodnega Khvalinska, ki se nahaja na visokem bregu Volge.

Vse na sliki je zgrajeno na kontrastih. Rdeča barva zveni alarmantno, vabljivo. In kot sanje, kot gozdna daljava - modra in kot sončni žarek - rumena. Barve se ne srečujejo, ne nasprotujejo, temveč harmonizirajo.

»Glavni znak nove dobe je bilo gibanje, obvladovanje prostora,« je zatrdil umetnik. Kako to prenesti? Kako obvladati prostor v slikarstvu? Petrov-Vodkin je skušal prenesti neskončnost sveta z uporabo tako imenovanega. "sferična perspektiva". Za razliko od linearne, ki so jo odkrili renesančni umetniki, kjer je zorni kot fiksiran, sferična perspektiva pomeni pluralnost, mobilnost zornih kotov, možnost gledanja prikazanega predmeta iz različnih zornih kotov, kar vam omogoča prenos dinamike dejanja. , raznolikost perspektiv vizije. Sferična perspektiva je določila naravo kompozicije Petrov-Vodkinovih slik in določila ritem slike. Horizontalne ravnine so dobile okroglost, kot je sferična površina zemlje, planetarna.

Vertikalne osi se pahljačasto, poševno razhajajo in tudi s tem se približamo občutku vesoljskega prostora.

Barvne lestvice Petrov-Vodkin so pogojne: barvne ravnine so lokalne, zaprte. Toda s subtilnim, prirojenim občutkom za barvo je umetnik na podlagi svoje teorije barvne perspektive ustvaril dela, čustveno figurativni sistem, ki jih je natančno in v celoti razkril ideološki koncept, patos slike.

Petrov-Vodkin sprejema revolucionarno dobo v Rusiji s svojo značilno filozofsko modrostjo. Piše: »V kaosu gradnje vsem, ki niso zatopljeni v osebne ocene ... ena struna zvoni: Življenje bo čudovito! To bo čudovito življenje!« (Citirano po: Kamensky A. A. Romantična montaža. M., Sovjetski umetnik. 1989)

Najljubše teme dela Petrov-Vodkina so, zlasti v težkih dvajsetih letih, teme materinstva in otroštva itd.:

"1918 v Petrogradu" - "Petrogradska Madona"

Portret Ane Akhmatove

Avtoportret

Tihožitje z modrim pepelnikom

Tihožitje z ogledalom

Tihožitje s črkami

Roza tihožitje. jabolčna veja

Jutranje tihožitje

in velika monumentalna platna, v katerih je rezultat njegovega razumevanja preteklosti in sedanjosti

"Smrt komisarja"

Po umetnikovi smrti je bilo njegovo delo izbrisano iz sovjetske umetnosti in šele v šestdesetih letih prejšnjega stoletja je bilo ponovno odkrito in realizirano.

Literatura

1. Emohanova L.G. Svetovna umetnost. Vadnica. M., 1998.

2. Beremo in se pogovarjamo o ruskih umetnikih. Učbenik ruskega jezika za tuje študente. Ed. T.D. Čilikin. M., 1989.

3. Parkhomenko I.T. Zgodovina svetovne in domače kulture. M., 2002.

4. Sokolova M.V. Svetovna kultura in umetnost. M., 2004.

5. Ostrovsky G. Zgodbe o ruskem slikarstvu. M., 1989.

6. Rapatskaya L.A. Ruska umetniška kultura. M., 1998.

Oblikovanje realizma v ruski glasbi. MIHAIL IVANOVIČ GLINKA (1804 - 1857)

Opera "ŽIVLJENJE ZA CARA"

"Glasbo ustvarjajo ljudje, mi, skladatelji, pa jo samo aranžiramo." M.I. Glinka.

MI Glinka se je vpisal v zgodovino glasbe kot utemeljitelj ruske nacionalne glasbene klasike. Povzel je vse najboljše, kar so dosegli ruski skladatelji prejšnjih obdobij (Varlamov, Aljabjev, Verstovski, Gurilev, Dubjanski, Kozlovski itd.), dvignil rusko glasbo na novo raven in ji dal vodilno vlogo v svetovni glasbeni kulturi. .

Umetnost M. I. Glinke, tako kot delo A. S. Puškina in drugih osebnosti njegove dobe, se je rodila iz družbenega vzpona v Rusiji, ki je nastal v povezavi z domovinska vojna 1812 in dekabristično gibanje - 1825

M. I. Glinka je postal prvi klasik ruske glasbe, ker je v svojem delu lahko globoko in celovito izrazil napredne ideje, ki jih je sprožil ta družbeni vzpon. Glavni sta ideji domoljubja in narodnosti. Glavna vsebina Glinkinega dela je podoba ljudi, utelešenje njihovih misli in čustev.

Pred Glinko so bili v ruski glasbi ljudje prikazani le v njegovi Vsakdanje življenje: v vsakdanjem življenju - njegov počitek, zabava. Glinka je prvič v ruski glasbi upodobil ljudstvo kot aktivno silo, utelesil idejo, da so ljudje resnični nosilci patriotizma.

Glinka je prvi ustvaril polnopravne glasbene podobe junakov iz ljudi, ki gredo na podvig za svojo domovino. V slikah, kot so Ivan Susanin, Ruslan in drugi, Glinka povzema najboljše duhovne lastnosti celotnega ljudstva: ljubezen do domovine, hrabrost, duhovno plemenitost, čistost in požrtvovalnost.

Glinka resnično uteleša najbolj bistvene, tipične lastnosti junakov in celotnega ljudstva, doseže novo, najvišjo stopnjo REALIZMA.

Glinka se v svojem delu naslanja na ljudsko pesem: »Ljudje ustvarjajo glasbo; mi, umetniki, pa le uredimo.« Bližina, notranji odnos z ljudska umetnost se pri Glinki čuti povsod: v vsakdanjih epizodah (kot pri drugih skladateljih pred Glinko) ter v junaških in liričnih epizodah.

Glinka je Puškin v glasbi. Puškin A.S. tako kot Glinka, predstavil ljudske podobe, ljudski jezik v ruski književnosti.

Glinka je imel vse dosežke skladateljske spretnosti. Študiral je izkušnje tujih skladateljev - Bacha, Handela, Mozarta, Beethovna, Chopina, pri tem pa je ostal globoko naroden, ruski skladatelj.

Opera Življenje za carja je prvi primer junaške ljudske glasbene drame v zgodovini glasbe. V svojem bistvu - zgodovinsko dejstvo- domoljubni podvig kmeta iz vasi Domnino, blizu Kostrome, - Ivan Osipovič Susanin, storjen v začetku leta 1613. Moskva je bila že osvobojena poljskih intervencionistov, vendar so napadalci še vedno hodili po ruski zemlji. Eden od teh odredov je hotel ujeti carja Mihaila Fedoroviča, ki je živel blizu vasi Domnino. Toda Susanin, ki so ga sovražniki želeli narediti za svojega vodnika, se je pretvarjal, da se strinja, vodil odred Poljakov v gost gozd in jih ubil, sam pa umrl.

Glinka je v svoji operi utelesil idejo o veličini podviga, opravljenega v imenu domovine in ljudstva. Dramaturgija opere temelji na spopadu dveh sil - ruskega ljudstva in poljskega plemstva. Vsako dejanje opere je ena od stopenj v razkritju tega konflikta, ki se razkriva ne le v zapletu opere, ampak tudi v njeni glasbi. Glasbene značilnosti Ruski kmetje in Poljaki so nasproti: za Ruse so značilne PESMI - za Poljake PLESI. Tudi socialno-psihološke značilnosti so nasprotne: poljske zavojevalce spremlja bodisi malomarna bodisi bojevita glasba Poloneze in Mazurke. Rusi so upodobljeni z umirjenimi in pogumnimi pesmimi ljudskega kmečkega ali vojaškega skladišča. "Poljska" glasba do konca opere izgubi svoj bojevit duh in zveni depresivno. Ruska glasba, vse bolj polna moči, se izliva v mogočno jubilantsko himno "Slavi".

Junaki opere med ruskimi kmeti - Susanin, Antonida (hči), Vanja (posvojen sin), bojevnik Sobinin. So individualni in hkrati poosebljajo eno od strani značaja svojih ljudi: Susanin - modra veličina; Sobinin - pogum; Antonida - srčnost. Celovitost likov naredi junake opere utelešenje idealov človeške osebnosti.

2. dejanje opere - "Poljsko dejanje" - "Poloneza" in "Mazurka" - tipični poljski plesi, ki se odlikujejo po svoji svetlosti nacionalni značaj. Poloneza zveni ponosno, veličastno in bojevito. (Sluh).

"Mazurka" - bravura, z zajetno melodijo. Glasba slika portret poljskega plemstva, njihov pohlep, samozavest, nečimrnost prekrije z zunanjim sijajem. (Sluh).

Tako "Poloneza" kot "Mazurka" se ne pojavljata kot kmečki, ampak kot viteški ples.

Glinka je bil prvi, ki je plesu pripisal velik dramski pomen. S »poljsko točko« te opere je Glinka postavil temelje ruski baletni glasbi.

"Arija Susanina" - (4. dejanje), dramatični vrhunec celotne opere. Tu se razkrijejo glavne poteze junakovega videza v odločilni uri njegovega življenja. Uvodni recitativ - "Oni dišijo po resnici ..." temelji na počasnih, samozavestnih intonacijah skladišča pesmi. Sama arija "Vstala boš, moja zora ..." izraža globoke misli, navdušenje in iskreno žalost ter pogum. Susanin se žrtvuje za domovino. In ljubezen do nje mu daje moč, mu pomaga, da dostojanstveno prenaša vse trpljenje. Melodija arije je preprosta in stroga, široko skandirana. Polna je topline intonacije, značilne za rusko lirično pesem. Arija je zgrajena v 3 zasebnih oblikah: prva je zgoščenega, zadržanega značaja; drugi je bolj razburjen in izrazit; tretji je ponovitev prvega dela. (Sluh).

V tej ariji je Glinka prvič na podlagi intonacije ljudske pesmi ustvaril glasbo, prežeto s pristno tragedijo, "povzdignil ljudsko melodijo v tragedijo". To je skladateljev inovativen pristop k ljudski pesmi.

Genialna "GLORY" krona opero. Ta zbor uteleša idejo domoljubja in veličine domovine in tukaj dobi najbolj popoln, popoln in živahen figurativni izraz. Glasba je polna svečanosti in epske moči, ki je značilna za HIMNO. Melodija je podobna napevom junaških, hrabrih ljudskih pesmi.

Glasba finala izraža idejo, da je bil Susaninov podvig dosežen v dobro ljudi in zato nesmrten. Trije zbori, dva orkestra (en trobilni na odru) in zvonovi izvajajo glasbo finala. (Sluh).

V tej operi je Glinka ohranil značilnosti romantičnega pogleda na svet in utelesil najboljše lastnosti ruske realistične glasbe: močno strast, uporniški duh, prost polet fantazije, moč in svetlost glasbene barve, visoke ideale ruske umetnosti.

Literatura

1. Ruska glasbena literatura. Ed. E.L. Ocvrto. L., 1970

2. Cannes - Novikova E. Mala zgodba o M.I. Glinka. M., 1987.

3. Livanova T.M. M.I. Glinka. M., 1962.

4. Remizov I.V. Glinka M.I. M., 1960.

Ideje razsvetljenstva tuje literature Jonathan Swift (1667 - 1745) Gulliverjeva potovanja

Naša doba je vredna samo satire. J. Swift

Velika umetniška dela, rojena v dobi razsvetljenstva, so zdaj v svojem četrtem stoletju. Misli, strasti, dejanja ljudi tistega daljnega časa postanejo blizu ljudem drugih obdobij, ujamejo njihovo domišljijo, vlijejo vero v življenje. Med takšnimi stvaritvami je Mozartova opera Figarova svatba z junakom, ki nikoli ne pade pogumom in v nobenem primeru ne obupa. Med takimi stvaritvami so roman Daniela Defoeja "Robinson Crusoe" in slike Williama Hogartha in Jean Baptista Simeona Chardina ter drugih mojstrov tiste dobe.

Če popotnik prispe v Dublin, glavno mesto Irske, ga zagotovo popeljejo v majhno hišo, kjer je nekoč živel dekan. katedrala sv. Petra Jonathan Swift. Ta hiša je svetišče za Irce. Swift je Anglež, vendar se je rodil v Dublinu, kamor se je oče bodočega pisatelja preselil v iskanju dela.

Swiftovo samostojno življenje se je začelo na angleškem posestvu Moore Park, kjer je po diplomi na univerzi v Dublinu prejel mesto tajnika pri vplivnem plemiču siru Williamu Templu. Nekdanji minister Temple se je po upokojitvi naselil na svojem posestvu in se začel ukvarjati z literarnim delom. Swift, ki je imel izjemen talent za pisanje, je bil preprosto božji dar za Templa, ki je brez sramu uporabil delo mlade tajnice.

Ta služba je mladega tajnika močno obremenjevala, vendar ga je v Moore Parku zadržala obsežna tempeljska knjižnica in njena mlada učenka Esther Johnson, do katere je bil Swift nežno navezan vse življenje.

Stela (kot jo je klical Swift) je sledila svojemu prijatelju in učitelju v irsko vas Laracore, kamor je odšel po Templovi smrti, da bi tam postal duhovnik. Leta pozneje je Swift Stele na njen rojstni dan pisala:

Srčni prijatelj! vam ustreza

Danes je petintrideseto leto.

Vaša leta so se podvojila

Vendar starost ni problem.

Ne bom pozabil, Stela, ne

Kako si zacvetel pri šestnajstih

Vendar pa je prednost nad lepoto

Danes te prevzame.

Kdaj razdeliti bogove

Takšna darila na pol,

Ne glede na starost za človeška čustva

Razkrili sta dve mladi nimfi

Torej delite svoja poletja

Podvojiti lepoto?

Potem muhasta usoda

Moral bi uslišati svojo prošnjo

Kot deli moj večni žar,

Tako, da pripada dvema.

Swift je moral prestati Stelo in globoko je obžaloval smrt "najbolj zvestega, vrednega in neprecenljivega prijatelja, s katerim ... sem bil ... blagoslovljen."

Swift se ni mogel omejiti le na skromno delo pastorja. Še za časa Templejevega življenja je objavil svoje prve pesmi in pamflete, a pravi začetek literarna dejavnost Swift lahko štejemo za njegovo knjigo "Zgodba o sodu" - (angleški ljudski izraz, ki pomeni: govoriti neumnosti, govoriti neumnosti), napisano za splošno izboljšanje človeške rase.

Voltaire je po branju Zgodbe o sodu dejal: »Swift zagotavlja, da je bil poln spoštovanja do svojega očeta, čeprav je svoje tri sinove zdravil s stotimi palicami, toda nejeverni ljudje so ugotovili, da so bile palice tako dolge, da so jih poškodovale. oče.”

"Zgodba o sodu" je Swiftu prinesla veliko slavo v literarnih in političnih krogih Londona. Njegovo ostro pero cenita obe politični stranki: vigovci in torijci.

Swift je sprva podpiral stranko Whigov, a jo je zelo kmalu zapustil zaradi nestrinjanja z njihovo zunanjo politiko. Vojvoda Marlboroughski, vodja vigovcev, je skušal nadaljevati krvavo vojno s Francijo za "špansko nasledstvo". Ta vojna je uničila državo, vendar je Marlborough obogatel z vojaškimi zalogami. Swift je začel podpirati torijevce in se s svojim peresom boril proti vojni.

Leta 1713 je bila sklenjena Utrechtska pogodba, ne brez neposrednega vpliva pisca. Ta pogodba se celo imenuje "Swiftov mir".

Zdaj je Swift postal tako močna figura v političnih krogih, da se je izkazalo za neprijetno, če bi ga zapustili kot vaškega duhovnika.

Prijatelji so mu zagotovili, da bo povzdignjen vsaj v škofovski stan. Toda visoki cerkveni veljaki niso mogli odpustiti briljantnemu satiriku njegove znamenite "Zgodbe o sodu". Po dolga leta obotavljanja je kraljica Swiftu dodelila položaj dekana (rektorja) dublinske katedrale, kar je bilo enako častnemu izgnanstvu.

Osem let je bila Swiftova v Dublinu na Irskem, skoraj brez premora. In leta 1726, pri oseminpetdesetih letih, se je znova znašel v središču političnega boja. Tokrat je svoj talent preusmeril v obrambo irskega ljudstva.

Razlog za Swiftove govore na političnem prizorišču je bil škandal, ki je izbruhnil okoli irskega denarja. Angleški poslovnež Wood, ki je koval bakren denar za Irsko, je del bakra, prejetega od angleške vlade, spravil v svoj žep. Irci pa so bili plačani v šilingih, ki so vsebovali 10-krat manj bakra kot angleški kovanci enake vrednosti. Swift je izdal serijo pamfletov z naslovom "Pisma izdelovalca sukna", v katerih je, navidezno v imenu dublinskega trgovca s suknom, opisal grozljivo revščino Ircev in za to krivil angleško vlado, ki je preko Woodovih rok spodkopala gospodarstvo Irske.

Swiftovi pamfleti so povzročili vstajo v Dublinu, predsednik angleške vlade, lord Walpole, je ukazal aretacijo Swifta. Toda zaprti in strogi dekan dublinske katedrale je postal ljubljenec Ircev. Za njegovo zaščito je bil ustanovljen poseben odred, ki je dan in noč dežural v bližini Swiftove hiše.

Posledično je premier Walpole prejel odgovor z Irske: »Za aretacijo Swifta bi potrebovali deset tisoč vojakov.« Zadevo je bilo treba zamolčati. podkralj

Irski Lord Carteret je izjavil: "Irski vladam z zadovoljstvom dr. Swifta"

Swift je umrl leta 1745 in je bil pokopan v dublinski katedrali. Na njegovem nagrobniku je bil vgraviran napis, ki ga je sam izdelal«: »Tukaj leži truplo Jonathana Swifta, dekana te stolne cerkve, in huda ogorčenost mu ne para več srca. Pojdi, popotnik, in posnemaj, če moreš, trmastega branilca pogumne svobode. Swifta je odlikovala izjemna skrivnost. S posebno skrivnostjo je obdal ustvarjanje glavnega dela svojega življenja - romana, na katerem je delal več kot šest let - "Potovanje v neke daljne dežele sveta Lemuela Gulliverja, najprej kirurga, nato pa kapitana več ladij." Tudi založnik, ki je leta 1726 prejel rokopis romana od »neznane osebe«, ni vedel, kdo je njegov avtor. Swift je položil rokopis na njegov prag in poklical. Ko je založnik odprl vrata, je zagledal rokopis in odhajajoči taksi. Swiftova je takoj zapustila London in se vrnila v Dublin.

Vsi smo kot otroci brali to zanimivo knjigo. Čeprav je bila napisana za odrasle. Zato jo poskusimo še enkrat prebrati in skušajmo prodreti v avtorjevo namero.

Kompozicija romana je sestavljena iz 4 delov. Vsak od delov je zgodba o neki fantastični državi. Zgodba je pripovedana v imenu protagonista - Gulliverja, navigatorja, ki po naključju pride v te države. Z drugimi besedami, tako kot Robinson Crusoe je tudi to potopisni roman. Spomnimo se, kako se roman začne.

Gulliver konča v Liliputu - deželi, v kateri živijo majhni ljudje, 12-krat manjši od normalnega človeka.

Izvemo, da je v Liliputu monarhija in da je na čelu države cesar, enako majhen človek, kot vsi Liliputanci, a sam sebe imenuje "Radost in groza vesolja." V cesarstvu »... Pred približno sedemdesetimi lunami sta se oblikovali dve vojskujoči se strani, znani kot Tremekseni in Slemekseni. Prvi so zagovorniki visokih pet, drugi - nizke ... Njegovo veličanstvo je zagovornik nizkih pet in se je odločil, da morajo vsi zaposleni v državnih in sodnih institucijah uporabljati nizke pete. Vidimo, kako "bistvene" so njihove razlike.

Visoke osebe, ki se potegujejo za pomemben javni položaj, tekmujejo v sposobnosti skakanja na vrvi. Swift s takšnimi vajami pomeni sposobnost spretnega spletanja in ugajanja monarhu.

Lilliputia je v vojni s sosednjo državo Blefuscu glede tega, s katerega konca razbiti jajca. Pred mnogimi leti si je prestolonaslednik med zajtrkom porezal prst in razbil jajce s topega konca. »Nato je cesar, njegov oče, izdal dekret, s katerim je vsem svojim podložnikom pod grožnjo stroge kazni ukazal, naj jajca razbijejo z ostrega konca. Ta odlok je tako zagrenil prebivalstvo, da ... je bil vzrok za šest uporov ... Blefuscujevi monarhi so vztrajno podpihovali te upore in njihove udeležence zaščitili na svojih posestvih. Obstaja do enajst tisoč fanatikov, ki so šli na smrtno kazen, ker niso hoteli razbiti jajc z ostrim koncem.

Vidimo, kako absurden je vzrok teh krvavih vojn. In Gulliver to razume, a ali lahko vpliva na dogodke liliputanskega življenja? Gulliver je sprva ujetnik Liliputancev. Ne upira se in skrbi le za to, da ne poškoduje teh malih bitij. Potem je prejel zelo omejeno svobodo, podpisal je devet klavzul o obveznostih in takoj naredil vladarjem Liliputa neprecenljivo uslugo z zajetjem sovražne flote. Zahvaljujoč temu je bila sklenjena mirovna pogodba pod ugodnimi pogoji za Liliput.

Kako se je cesar oddolžil Gulliverju za to in druge storitve, ki jih je opravil?

Zaradi obrekovanja zavistnih ljudi je bil Gulliver obtožen izdaje in obsojen na smrt, potem pa se je cesar "iz svoje običajne prijaznosti odločil, da mu bo prizanesel življenje in se zadovoljil z ukazom, da mu iztakne obe očesi" in nato stradal. njega do smrti.

Tako so se cesar in njegovi privrženci oddolžili Gulliverju za njegovo ustrežljivost, prijaznost in pomoč.

Gulliver ne zaupa več v cesarjevo milost in pobegne v Blefusko, od tam, ko je zgradil čoln, odide v svojo domovino.

Tako se je končalo Gulliverjevo prvo potovanje.

Kaj je fantastičnega v deželi Liliput? Majhnost prebivalcev te države in vsega, kar jih obdaja? V primerjavi z normalno človeško rastjo je Gulliver natanko 12-krat večji od Liliputancev, zato se prav on zdi Liliputancem fantastično bitje. V vseh drugih pogledih je Liliputija zelo resnična država.

Očitno je, da Lilliputia spominja na Swiftovo sodobno Anglijo, z dvema sprtima stranema, zakulisnimi spletkami politikov, z verskim razkolom, ki ni nič vreden, a stane življenja na tisoče ljudi.

Prepoznamo tudi starodavno sovraštvo sosedov - Anglije in Francije, le Swift ju je spremenil geografski položaj: Liliputija je njegova celina, Blefuscu pa otok.

Kaj pomeni fantastično zmanjšanje velikosti? Zakaj je Swift potreboval Lilliput, če je želel opisati Anglijo?

Swift prikazuje vse ukaze in dogodke liliputanskega življenja tako, da je ta dežela, za katero je vidna Anglija, videti zelo smešna. Potem ko je svojo domovino spremenil v Liliput in nas prepričal v njeno resničnost, Swift izpostavlja angleške običaje, politiko, vero jedkemu satiričnemu posmehu.

Z drugimi besedami, Liliputija je sodobna meščanska Anglija, ki jo umetnik vidi in razkrije z umetniškimi sredstvi z družbenim sistemom, ki ga Swift zanika.

Ko je pokazal, da sodobna angleška družba ni idealna, Swift pošlje svojega junaka v druge "oddaljene države sveta". Za kaj? V iskanju tega ideala.

Ali je Swift našel idealen družbeni red, v katerem bi bili ljudje svobodni, enaki in bi drug do drugega čutili bratstvo?

Za odgovor na to vprašanje preberemo odlomek iz drugega dela romana: »Ko me je dojenček ... zagnal ... zajokal, ... me je zamenjal za igračo. Voditeljica me je, vodena z občutkom materinske nežnosti, vzela in postavila pred otroka. Takoj me je prijel za pas in dal mojo glavo v svoja usta. Tako obupano sem kričala, da me je otrok prestrašeno spustil. Na srečo mi je gostiteljica uspela zamenjati predpasnik. V nasprotnem primeru bi se zagotovo strmoglavil."

Ta fragment iz drugega dela romana "Potovanje v Brobdingnag" se je Gulliver tukaj znašel v vlogi pritlikavca v odnosu do prebivalcev te države, kar je povzročilo radovedne situacije.

Na primer zgodba o dveh podganah, pred katerima se je Gulliver pogumno branil z bodalom.

Spomnimo se epizode z žabo, ki je z jadrom skoraj potopila Guliverjev čoln. In zgodba o opici, ki je ubogega Gulliverja skoraj do smrti mučila in ga zamenjala za mladiča, je naravnost dramatična.

Vse te epizode so zelo smešne tako za velikane kot za bralce. Toda sam Gulliver je bil v resni nevarnosti za svoje življenje.

Kako se Gulliver manifestira v teh smešnih, ponižujočih in nevarnih situacijah?

Ne izgubi svoje prezence, plemenitosti, samospoštovanja in radovednosti popotnika. Na primer, ko je pred minuto ubil podgano, ki bi ga lahko raztrgala na koščke, Gulliver zavzeto meri svoj rep in bralca obvesti, da je bila dolžina repa dva jarda brez enega palca.

Ponižujoč položaj majhne igrače Gulliverja ni naredil niti strahopetnega niti zlobnega. Na potegavščine kraljevega škrata se vedno odzove z velikodušnostjo in priprošnjo. Čeprav ga je škrat enkrat zapičil v kost, drugič pa skoraj utopil v skledi smetane.

Kaj počne Gulliver v deželi velikanov? Uči se Brobdingnaga, da se lahko pogovarja s prijaznim in inteligentnim kraljem Brobdingnaga.

O čem se pogovarjata kralj in Gulliver?

Kralj sprašuje Gulliverja o angleški državni ureditvi, o kateri Gulliver pripoveduje zelo podrobno. Njegovo poročilo kralju je trajalo pet avdienc.

Zakaj kralj s takim zanimanjem posluša Gulliverjeve zgodbe? Na to vprašanje je odgovoril sam kralj. Rekel je: "...čeprav se suvereni vedno držijo običajev svoje države, bi bil vesel, če bi našel nekaj, kar je vredno posnemanja v drugih državah."

In kaj »posnemanja vrednega« je Gulliver ponudil kralju? Podrobneje je spregovoril o uničujočih učinkih pušk, polnjenih s smodnikom. Hkrati se je Gulliver prijazno ponudil za izdelavo smodnika. Kralj je bil nad tem predlogom zgrožen. Bil je globoko ogorčen nad strašnimi prizori prelivanja krvi, ki so jih povzročili delovanje teh uničujočih strojev. "Izmisliti jih," je rekel kralj, je lahko samo nekakšen zlobni genij, sovražnik človeške rase. Nič mu ne daje takšnega užitka, je rekel kralj, kot znanstvena odkritja, vendar bi raje pristal na to, da izgubi polovico kraljestva, kot da bi bil posvečen v skrivnost takega izuma ”Vidimo torej, da kralj velikanov ni našel ničesar, kar bi bilo vredno posnemanja, v angleškem državnem sistemu, niti v politiki in način vojskovanja. Kralj Brobdingnaga pravi, da »... dobra vlada zahteva le zdrav razum, pravičnost in prijaznost. Verjame, da bo tisti, ki bo namesto enega klasja ali enega stebla trave uspel na isti njivi zrasti dva, naredil človeštvu in svoji domovini večjo uslugo kot vsi politiki skupaj.

To je razsvetljeni monarh in njegova država je razsvetljena monarhija. Ali se lahko ta država šteje za idealno, o kakršni so sanjali razsvetljenci? Seveda ne! Prebivalce te države vodi pohlep, želja po dobičku. Kmet je Gulliverja pripeljal do izčrpanosti in od njega zaslužil denar. Ker je kmet videl, da je Gulliver bolan in bi lahko umrl, ga je prodal kraljici za tisoč zlotov.

Na ulicah prestolnice je Gulliver videl berače. Takole ga opisuje: »Bil je grozen prizor. Med berači je bila ženska s takšnimi ranami na prsih, da bi lahko zlezel vanje in se tam skril kot v jamo. Drugemu beraču je okrog vratu visela golša v velikosti petih bal volne. Tretji je stal na lesenih nogah, visokih dvajset metrov. Najbolj gnusne pa so bile uši, ki so se plazile po njihovih oblačilih.

Kot lahko vidimo, družbi države velikanov socialne razjede niso prizanesene, kljub dejstvu, da to državo vodi kralj-znanstvenik, kralj-filozof, ki mu je mar za podložnike, vendar je gibalo življenja družbe je denar, strast do dobička. Zato en del družbe nemoteno bogati, drugi pa prosjači.

Swift je pokazal, da razsvetljena monarhija ni sposobna zagotoviti zmagoslavja svobode, enakosti in bratstva svojim podanikom, če je v tej državi ohranjena oblast denarja nad ljudmi in s tem revščina in neenakost.

A avtor ne izgubi upanja. Mogoče so še kje druge države bolj pravično urejene. Iskanje še ni končano. In Gulliver, čudežno osvobojen in vrnjen v domovino, ni izgubil strasti do potovanja.

"Sidro smo stehtali 5. avgusta 1706 ..." Tako se je začelo tretje Gulliverjevo potovanje - "Potovanje v Laputo"

Gulliver konča na letečem otoku. Koga je videl tam?

»Še nikoli nisem videl smrtnikov, ki bi tako presenetili s svojo postavo, oblačili in obrazno mimiko. Vsi so imeli glave nagnjene na desno in levo: eno oko je škililo navznoter, drugo pa naravnost navzgor. Njihova vrhnja oblačila so bila okrašena s podobami sonca, lune, zvezd, prepletenimi s podobami violine, flavte, harfe, trobente, kitare, klavikorda.

Kaj počnejo nenavadni prebivalci otoka?

Laputci se ukvarjajo z najbolj abstraktnimi znanostmi in umetnostmi, namreč z matematiko, astronomijo in glasbo. Tako so potopljeni v svoje misli, da ne opazijo ničesar okoli sebe. Zato jih vedno spremljajo služabniki, ki po potrebi z ogromnimi mehurčki, napihnjenimi z zrakom, potrepljajo gospodarje bodisi po ustnicah, bodisi po očeh ali po ušesih in jih tako spodbujajo k poslušanju, gledanju in govorjenju.

V prestolnici je akademija projektorjev, kjer se ukvarjajo s precej čudnimi znanstvenimi raziskavami. Eden od znanstvenikov pridobiva sončne žarke iz kumar. Drugi se je domislil novega načina gradnje zgradb – s strehe. Tretji redijo gole ovce. Takšna "velika" odkritja, vsa ta znanstvena dejavnost ni namenjena izboljšanju življenja ljudi. Gospodarstvo države je uničeno. Ljudje stradajo, hodijo v cunjah, njihovi domovi se uničujejo, znanstvene elite pa to ne briga.

Kakšen je odnos med kraljem Lapute in njegovimi podaniki, ki živijo na zemlji?

V rokah tega monarha je strašen kaznovalni stroj - leteči otok, s pomočjo katerega drži vso državo v pokornosti.

Če v nekem mestu nočejo plačati davkov, potem kralj ustavi svoj otok nad njimi, prikrajša ljudi za sonce in dež, nanje meče kamne. Če vztrajajo pri svoji nepokorščini, potem otok po kraljevem ukazu spustijo neposredno na glave nepokornih in jih sploščijo skupaj s hišami.

Tako uničujočo moč ima lahko dosežek znanosti, ko je v rokah nečloveškega vladarja. Znanost v tej državi je nehumana, uperjena je proti ljudem.

Pred očmi potujočega Gulliverja so šle tri države, v katerih je obstajala ena vrsta vlade - monarhija.

Bralci so skupaj z Gulliverjem prišli do zaključka, da je vsaka monarhija zlo. Zakaj?

To lahko potrdimo. Tudi razsvetljeni velikanski kralj ne more ustvariti idealnih ekonomskih in socialnih pogojev za življenje ljudi. Monarhija v najslabšem primeru, ko ima neomejeno oblast zlobni despot, ki mu ni vseeno za interese ljudi, je največje zlo za človeštvo.

V četrtem delu Gulliver vstopi v deželo Houyhnhnmov. Prebivalci te države so konji, vendar so po Gulliverju njihova racionalnost in moralne lastnosti boljše od ljudi. Houyhnhnmi ne poznajo razvad, kot so laž, prevara, zavist in pohlep. Njihov jezik sploh nima besed za te pojme. Med seboj se ne prepirajo in ne tepejo. Nimajo orožja. So prijazni in plemeniti, cenijo predvsem prijateljstvo. Njihova družba je zgrajena na razumnih načelih, njihove dejavnosti pa so usmerjene v dobrobit vseh njenih članov. Državna ureditev te države je republika. Svet je njihova oblika vladanja.

»Vsaka štiri leta ob spomladanskem enakonočju ... je zbor predstavnikov celotnega naroda. ... Na tem svetu se razpravlja o položaju različnih okrajev: ali so dovolj preskrbljeni s senom, ovsom, kravami in Yahoojem. Če v enem od okrajev kaj manjka, potem svet tja dostavi, kar je potrebno iz drugih okolišev. Sklepi o tem so vedno sprejeti soglasno.”

Gulliverju se je ta država zdela idealna. Toda ali je z našega vidika idealen?

Houyhnhnmi nimajo pisnega jezika in zato tudi ne literature. Ne razvijajo ne znanosti ne tehnologije, t.j. ne težijo k družbenemu napredku. Njihova hvaljena racionalnost se še vedno ne more primerjati z radovednim človeškim umom, ki si neskončno prizadeva za učenje novih stvari.

"Osnovno življenjsko pravilo zanje je popolna podreditev njihovega vedenja vodstvu uma" Toda to praktično izključuje vse občutke. Tudi do smrti svojih najdražjih so "razumni", torej brezbrižni. Tukaj je primerno spomniti se na epizodo z eno kobilo, ki je zamudila na obisk zaradi nenadne smrti svojega moža. Opravičila se je za zamudo in ves večer je bil tako miren in vesel kot drugi gostje.

Dobri Houyhnhnmovi Gulliverja kljub temu izženejo iz njihove države, saj so se odločili, da je nerazumno obdržati tako dvomljivo bitje v svoji družbi. Kaj če jim naredi nekaj škode?

Gulliver se vrne v domovino, kjer zdaj večino časa preživi v hlevu. Potovanja je konec. Lahko tudi povzamete: ali Swift, potem ko je vodil svojega junaka skozi različne države, najde idealno družbeno strukturo?

št. Swift ne najde pozitivnega ideala niti v svoji sodobni angleški meščanski družbi (Liliput), niti v razsvetljeni monarhiji velikanov niti na letečem otoku znanstvenikov. In vrla republika Houyhnhnmov se zdi utopija, ni naključje, da je to še vedno družba konj, ne ljudi. Kaj je glavna sila Swiftov roman?

Moč njegovega romana je v satiričnem posmehu nepravičnim oblikam družbenega bivanja.V četrtem delu romana so nenavadna bitja, ki igrajo velika vloga v zgodbi. Kdo so Yahooji? Kakšen je pomen njihovega pojavljanja v romanu?

Yehu so umazane, grde divje živali, ki jih je veliko v deželi Houyhnhnmov. Njegovo videz so zelo podobni ljudem. Po natančnem pregledu je tudi Gulliver videl to podobnost in bil zgrožen. Toda ali so Yahooji le po videzu podobni ljudem?

Sivi konj je po takih pogovorih z Gulliverjem prišel do zaključka, da je v običajih in običajih evropskih ljudstev veliko podobnosti z navadami Yahooja. »... Vzroki za spore med tem govedom so enaki kot vzroki za spore med vašimi soplemeniki. Pravzaprav, če petim Yahoojem daste hrano, ki bi zadoščala za petdeset, potem namesto da bi mirno nadaljevali z jedjo, začnejo prepir. Vsak si skuša vse ujeti zase, pogosto si med prepirom s kremplji in zobmi povzročijo hude rane. Yehu se ne prepirata le zaradi hrane, ampak tudi zaradi draguljev – raznobarvnih sijočih kamenčkov, ki jih skrivata drug pred drugim. Obstaja še ena podobnost z ljudmi. Uživajo na primer v sesanju korenine, kar nanje vpliva tako kot na Evropejce žgane pijače in mamila. V večini čred so vladarji, ki se odlikujejo po posebno zlobnem značaju in zato držijo celotno čredo v poslušnosti. Obdajajo se z grdimi ljubljenci, ki jih vsi drugi sovražijo. Opažen sivi konj

to je velika podobnost z evropskimi monarhi in njihovimi ministri.Od kod te podle živali v deželi Houyhnhnmov? Po legendi je nekaj podlih Yahoojev nekoč prispelo v to državo z druge strani morja. Razmnožili so se, podivjali, njihovi potomci pa so popolnoma izgubili razum. Z drugimi besedami, Yahooji so degenerirani ljudje, ki so izgubili svojo kulturo in civilizacijo, a ohranili vse slabosti človeške družbe.

Swift tukaj polemizira z Defoejem in njegovo podobo idealnega, razumnega buržuja, saj je zgodovina Yahooja anti-Robinzonada. V četrtem delu je Swiftova satira dosegla vrhunec. Smešno postane strašljivo. Swift je naslikal sliko degeneracije človeške družbe, ki živi po zakonih Yahooja.

Četrti del je končni zaključek, rezultat tega filozofskega popotovanja. Dokler bo človeštvo vodila želja po dobičku, moči in telesnih užitkih, družba ne bo zgrajena po zakonih razuma. Še več, šlo bo po poti degradacije in uničenja. Swift dosledno in logično razkriva razsvetljensko-meščansko ideologijo, gre od posameznega k splošnemu, od ene specifične države do univerzalne posplošitve.

Sijajni satirik je bil daleč pred svojo dobo. Kakšen je za nas sodobni zvok romana? Ali so Swiftova opozorila izgubila pomen?

Če pohlep, prevare, moč denarja in stvari, pijančevanje, odvisnost od drog, izsiljevanje, hlapčevstvo, pretirane ambicije in ambicije, ki niso bile uresničene v preteklosti in se ne morejo uresničiti v sedanjosti, provokacije in neskončni prepiri s sebi podobnimi, spremeni v strašne, krvave vojne, bo zavladal človeštvu, potem ljudje tvegajo, da se spremenijo v Yahoo. In nobena civilizacija ter visoka stopnja znanstvenega in tehnološkega napredka jih ne bodo rešili tega. Grozno je, če kultura brezupno zaostaja za civilizacijo! Ljudje se menjajo, a razvade, ki dobijo civiliziran videz, ostanejo.

Teoretično znanje, ki ga dijaki dobijo na Lekcije MHC, so v analizi povpraševanje umetniško delo, ki je pravzaprav predmet proučevanja in obravnavanja pri pouku svetovne likovne kulture. Kakšen je algoritem za analizo del različnih vrst umetnosti? Morda bodo spodaj predstavljene informacije koristne učitelju, ki išče odgovor na to vprašanje.

Algoritem za analizo umetniškega dela

Glavni pogoj za delo na tem algoritmu je dejstvo, da ime slike ne sme biti znano tistim, ki delajo.

1. Kako bi poimenovali to sliko?
2. Vam je slika všeč ali ne? (Odgovor mora biti dvoumen).
3. Povejte o tej sliki, da bo oseba, ki je ne pozna, dobila predstavo o njej.
4. Kakšne občutke v tebi vzbuja ta slika?
5. Kaj misliš, da je avtor »hotel povedati« s to sliko? Kaj je ona glavna ideja Zakaj ga je napisal?
6. Kaj je avtor naredil, da smo razumeli njegovo namero? S čim je to dosegel?
7. Ali želite v odgovoru na prvo vprašanje kaj dodati ali spremeniti?
8. Vrnite se k drugemu vprašanju. Je vaša ocena ostala enaka ali se je spremenila? Zakaj zdaj tako visoko ocenjujete to sliko?

Algoritem za analizo umetniških del

1. Pomen naslova slike.
2. Žanrska pripadnost.
3. Značilnosti zapleta slike. Razlogi za slikanje. Poiščite odgovor na vprašanje: ali je avtor posredoval svojo namero gledalcu?
4. Značilnosti kompozicije slike.
5. Glavna sredstva umetniške podobe: barva, risba, tekstura, chiaroscuro, slog pisanja.
6. Kakšen vtis je ta umetnina naredila na vaše občutke in razpoloženje?
7. Kje se nahaja ta umetnina?

Algoritem za analizo arhitekturnih del

1. Kaj je znano o zgodovini nastanka arhitekturne strukture in njenem avtorju?
2. Navedite pripadnost tega dela kulturni in zgodovinski dobi, umetniškemu slogu, smeri.
3. Kakšno utelešenje je v tem delu našla Vitruvijeva formula: moč, uporabnost, lepota?
4. Navedite likovna sredstva in tehnike za ustvarjanje arhitekturne podobe (simetrija, ritem, proporci, svetlobno in barvno modeliranje, merilo), tektonske sisteme (post-žarek, suličasti lok, ločna kupola).
5. Navedite pripadnost tipu arhitekture: tridimenzionalni objekti (javne: stanovanjske, industrijske); pokrajina (krajina ali majhne oblike); urbanistično načrtovanje.
6. Navedite povezavo med zunanjim in notranjim videzom arhitekturnega objekta, povezavo med stavbo in reliefom, naravo krajine.
7. Kako so uporabljene druge zvrsti umetnosti pri oblikovanju njegove arhitekturne podobe?
8. Kakšen vtis je delo naredilo na vas?
9. Kakšne asociacije vzbuja likovna podoba in zakaj?
10. Kje se nahaja arhitektura?

Algoritem za analizo kiparskih del

1. Zgodovina nastanka dela.
2. O avtorju. Kakšno mesto zavzema to delo v njegovem delu?
3. Pripada umetniškemu obdobju.
4. Pomen naslova dela.
5. Pripada vrstam kiparstva (monumentalno, spominsko, stojalo).
6. Uporaba materiala in tehnika njegove obdelave.
7. Dimenzije skulpture (če je pomembno vedeti).
8. Oblika in velikost podstavka.
9. Kje se nahaja ta skulptura?
10. Kakšen vtis je na vas naredilo to delo?
11. Kakšne asociacije vzbuja likovna podoba in zakaj?

Gradivo je zagotovil T.A. Zaitseva, metodologinja, MOUDO "IMC"

Literatura

1. Svetovna umetniška kultura: 10-11 razredi: dodatna gradiva za pouk / ur. - komp. O. E. Nadelyaeva. - Volgograd: Učitelj, 2009. - 198 str.

Pošljite svoje dobro delo v bazo znanja je preprosto. Uporabite spodnji obrazec

Študenti, podiplomski študenti, mladi znanstveniki, ki bazo znanja uporabljajo pri študiju in delu, vam bodo zelo hvaležni.

Gostuje na http://www.allbest.ru/

Zvezna državna proračunska izobraževalna ustanova za visoko strokovno izobraževanje

Državna tehnična univerza Omsk

Oddelek za DTM

Esej

Na temo:

Analiza umetniškega dela na primeru slike Michelangela Buonarrotija "Poslednja sodba"

Opravila: dijak gr. ZSR-151 A.A. Kareva

Preveril: profesor Gumenyuk A.N.

Uvod

1. Zaplet poslednje sodbe

2. Splošno o razlikah med sliko in ikono

3. Kompozicija oltarne freske Sikstinske kapele Michelangela Buonarrotija (1475-1564) "Poslednja sodba" (1535-1541)

Zaključek

Seznam uporabljene literature

Uvod

Poslednja sodba je Michelangelova freska na oltarni steni Sikstinske kapele v Vatikanu. Umetnik je fresko delal štiri leta - od 1537 do 1541. Michelangelo se je v Sikstinsko kapelo vrnil tri desetletja po tem, ko je dokončal poslikavo njenega stropa. Obsežna freska zavzema celotno steno za oltarjem Sikstinske kapele. Njena tema je bil drugi Kristusov prihod in apokalipsa.

Poslednja sodba velja za delo, ki je končalo renesanso v umetnosti, ki se ji je poklonil sam Michelangelo v poslikavah stropa in oboka Sikstinske kapele, ter odprlo novo obdobje razočaranja v filozofiji antropocentričnega humanizma.

1. Zgodba o poslednji sodbi

Drugi Kristusov prihod, ko bo po krščanskem nauku prišlo do splošnega vstajenja mrtvih, ki bodo skupaj z živimi dokončno sojeni in jim bo določeno, ali bodo vzeti v nebesa ali vrženi v pekel. Sveto pismo o tem večkrat govori, vendar je glavna avtoriteta Kristusov govor učencem, ki ga je povedal Matej: in ločiti enega in drugega, kakor pastir loči ovce od kozlov; in postavi ovce na njegovo desnico in koze na njegovo levico. Soditi jih je treba po njihovih delih usmiljenja, ki so jih opravili v svojem zemeljskem življenju. Grešniki bodo morali iti v »večne muke«.

Kristusov drugi prihod (oziroma Kristusovo kraljestvo na zemlji) je bil samozavestno pričakovan leta 1000, in ko se ta pričakovanja niso uresničila, je Cerkev začela pripisovati vse večji pomen nauku o "štirih zadnjih delih" - smrti. , sodba, nebesa, pekel.

Od takrat so se podobe zadnje sodbe začele pojavljati (predvsem v 12.-13. stoletju) na kiparskih zahodnih pedimentih francoskih katedral.

To je velika zgodba z več deli. Kristus je sodnik osrednja figura. Na obeh straneh njega so apostoli, ki so bili z njim pri zadnji večerji: "In ti boš sedel na prestole, da boš sodil 12 Izraelovih rodov."

Spodaj so mrtvi, ki vstajajo iz grobov ali iz zemlje ali morja: "In mnogi izmed tistih, ki spijo v zemeljskem prahu, se bodo prebudili, eni v večno življenje, drugi v večno sramoto in sramoto." »Tedaj je morje dalo mrtve, ki so bili v njih; in vsak je bil sojen po svojih delih." Nadangel Mihael drži tehtnico, na kateri tehta duše. Pravični - na Kristusovi desnici, ki jih v nebesa spremljajo angeli, na levi strani od njega spodaj so grešniki pospremljeni v pekel, kjer so prikazani v strašnih mukah. (Hall D. Slovar ploskev in simbolov v umetnosti. M, 1996)

2. So pogostiinformacije o razlikah med sliko in ikono

Slika najprej deluje na čustveno sfero. Ikona - na umu in intuiciji. Slika odraža razpoloženje, ikona - stanje posameznika. Slika ima meje, okvir ploskve; ikona - vključuje v brezmejno. Nekateri menijo, da starodavni ikonopisci niso poznali zakonitosti neposredne perspektive in simetrije človeškega telesa, tj. niso poznali anatomskega atlasa. Vendar pa so umetniki tiste dobe pri izdelavi kipov ali kipov nasploh upoštevali natančna razmerja človeškega telesa (tridimenzionalna podoba se v vzhodni cerkvi ni uporabljala, temveč le v posvetni umetnosti). Odsotnost neposredne perspektive priča o drugih prostorskih razsežnostih, o možnostih človekovega vladanja prostoru. Prostor preneha biti ovira. Oddaljeni predmet ne postane iluzorno pomanjšan. Vrednote v ikonah niso prostorske, temveč aksiološke narave, ki izražajo stopnjo dostojanstva. Na primer, demoni so prikazani kot manjši od angelov; Kristus med učenci se dviga nad njimi itd.

Sliko lahko gledamo analitično. Lahko govorite o posameznih delih slike, navedete, kaj vam je všeč in kaj vam ni všeč. In ikone ni mogoče razdeliti na celice, na fragmente, na podrobnosti, sintetično jo dojema en notranji verski občutek. Ikona je lepa, ko človeka kliče k molitvi, ko duša čuti dinamično polje energij in sil, ki se skozi ikono izžarevajo iz Kraljestva. večna luč. Na ikoni so figure negibne, zdi se, da so zamrznjene. Vendar to ni mraz smrti; poudarja notranje življenje, notranjo dinamiko. Svetniki so na hitrem duhovnem begu, v večnem gibanju proti Božanskemu, kjer ni mesta za pretenciozne drže, vzkipljivost in izražanje navzven.

Človek, zajet v globoko čustvo ali potopljen v misli, preklopi tudi na notranje in ta nepovezanost z zunanjim priča o intenzivnosti in intenzivnosti njegovega duha. Nasprotno, zunanja dinamika - pečat čustev kot začasnih stanj - nakazuje, da tisti, ki so ga želeli upodobiti na ikoni, ni v večnosti, temveč v času, v moči čutnega in minljivega.

Eden od vrhuncev zahodne umetnosti je slika Poslednje sodbe v Sikstinski kapeli, ki jo je ustvaril Michelangelo. Figure so narejene z osupljivim poznavanjem proporcev človeškega telesa in zakonov harmonije. Lahko študirajo anatomijo. Vsaka oseba ima svojo edinstveno osebnost in psihološke značilnosti. Hkrati je verski pomen te slike enak nič. Poleg tega gre za ponovitev poganstva, ki se je pojavilo v srcu katoliškega sveta. Tema slike "Zadnja sodba" pooseblja poganske in judovske tradicije. Haron nosi duše mrtvih čez vode Stiksa. Slika je vzeta iz starodavne mitologije. Vstajenje mrtvih se zgodi v dolini Josafat, kot pripoveduje talmudsko izročilo.

Slika je izdelana v poudarjeno naturalističnem slogu. Michelangelo je telesa naslikal gola. Ko je papež Pavel III., ko je pregledoval poslikavo Sikstinske kapele, vprašal slovesnega mojstra papeškega dvora Biagia da Cesena, kako mu je bila slika všeč, je odgovoril: »Vaša svetost, te figure bi bile primerne kje v gostilni, in ne v vaši kapeli." ("O jeziku pravoslavne ikone." Arhimandrit Rafael (Karelin), 1997)

Dotaknili smo se zahodnoevropskega slikarstva, da bi poudarili njegovo temeljno razliko od pravoslavne umetnosti. To je nazoren primer, kako se forma ne ujema z vsebino, pa naj bo ta že sama po sebi sijajna. V tako imenovanem religioznem slikarstvu renesanse je metodološka napaka. Slikarji poskušajo skozi mimično umetnost, t.j. slika, nasičena s čustvi in ​​strastmi, da bi nebeško prenesla na zemeljsko raven, a dosegla nasprotno – neprenovljeno materialnost prenesla v sfero neba; s zemeljskim in čutnim izpodrivajo duhovno in večno (oziroma tam ni prostora za nebesa, zemlja je vse zasedla in pogoltnila), njihovo srce; rahlo sklonjena postava, poslušnost božji volji itd.

Katoliška slika je enodimenzionalna, pravoslavna ikona je večplastna. V ikoni se ravnine med seboj križajo, sobivajo ali prežirajo, ne da bi se zlivale ali raztapljale druga v drugo. Čas je v sliki zapisan kot trenutek, ustavljen po volji umetnika, kot fotografski blisk. V ikoni je čas pogojen, zato lahko na polju ikone predstavljamo dogodke v kronološkem neskladju. Ikona je podobna notranjemu načrtu in risbi dogodkov. Za ikone je značilna simultanost slike: vsi dogodki se zgodijo hkrati. ikona sikstinske freske Michelangela

Slika je posnemanje resničnosti z elementi fantazije, ki tudi snov za svoja razpoloženja črpa iz zemeljske resničnosti. Ikona je utelešenje duhovne kontemplacije, ki je podana v mistični izkušnji, v stanju občestva z Bogom, a kontemplacija posredovana in objektivizirana skozi simbolno govorico linij in barv. Ikona je teološka knjiga, naslikana s čopičem in barvami. Na ikoni je podoba dveh sfer - nebeške in zemeljske - podana ne po načelu vzporednosti, temveč po načelu simetrije. V sliki na religiozno tematiko, ki jo nepravilno imenujemo ikona, med nebeškimi in zemeljskimi stvarmi bodisi ni razlik, razmejitev, ali pa jih povezujejo »vzporedne črte« zgodovine, kot eno samo bitje v času in prostoru.

Na sliki je načelo neposredne, linearne perspektive, ki daje iluzijo prostornine, tridimenzionalnosti v podobi materialnih in duhovnih entitet. Duhovno se v sliki ne manifestira, ampak se v njej nadomesti z materialnimi, voluminoznimi oblikami in telesi in v teh tujih oblikah izgine. Duhovno na sliki preneha biti nadčutno, ampak postane »naravno«, tu pride do profanizacije svetišča. Na to so upravičeno opozarjali ikonoklasti, ki so zanikali portretne slike na religiozne teme, vendar so po krivici s slabo metodo posploševali vse možnosti likovne umetnosti - v tem primeru ikonografije -, ki odpira duhovni svet, ne da bi ga identificirali z neskončnostjo kot neskončnim podaljškom, z resničnostmi materialnega sveta, ki je pod oblastjo smrti in razpada.

Ikonoklasti so identificirali ikono z mimičnim portretom, s fantazijo ali alegorijo, vendar so ikono kot sakralni simbol ignorirali ali napačno razumeli. V ikoni ni samo nasprotje dveh sfer časa in večnosti, ampak v njenih ritmih - cerkvenost časa, njegova privlačnost do večnosti. ("O jeziku pravoslavne ikone." Arhimandrit Rafael (Karelin), 1997)

3. Kompozicija oltarne freske Sikstinske kapeleMichelangelo Buonarroti(1475-1564) "Poslednja sodba" (1535-1541)

Nenavadna avtorjeva odločitev pri gradnji kompozicije ohranja najpomembnejše tradicionalne elemente ikonografije. Prostor je razdeljen na dve glavni ravnini: nebeško - s Kristusom sodnikom, Materjo Božjo in svetniki, in zemeljsko - s prizori vstajenja mrtvih in njihovo delitvijo na pravične in grešnike.

Trobeči angeli oznanjajo začetek poslednje sodbe. Odpre se knjiga, v kateri so zapisana vsa človeška dejanja. Kristus sam ni usmiljeni odrešenik, ampak kaznujoči Gospodar. Sodnikova kretnja sproži počasno, a neizprosno krožno gibanje, ki v svoj tok potegne vrste pravičnih in grešnikov. Mati Božja, ki je sedela poleg Kristusa, se je obrnila stran od dogajanja.

Opusti svojo tradicionalno vlogo priprošnjice in trepeta pred končno sodbo. Okrog svetnikov: apostoli, preroki. V rokah mučencev so orodja za mučenje, simboli trpljenja, ki so ga prestali zaradi svoje vere.

Mrtvi, ki odprejo oči z upanjem in grozo, vstanejo iz svojih grobov in gredo na božjo sodbo. Nekateri se dvigajo zlahka in svobodno, drugi počasneje, odvisno od teže lastnih grehov. Močni v duhu pomagajo tistim, ki potrebujejo pomoč, da se dvignejo.

Obrazi tistih, ki morajo iti dol, da se očistijo, so polni groze. predvidevanje strašne muke, grešniki nočejo v pekel. Toda sile, ki si prizadevajo za zaščito pravice, jih potiskajo tja, kjer naj bi bili ljudje, ki so povzročili trpljenje. In hudiči jih potegnejo k Minosu, ki z repom, ovitim okoli telesa, nakaže krog pekla, v katerega naj se grešnik spusti. (Umetnik je sodniku mrtvih duš dal obrazne poteze ceremonijalnega mojstra, papeža Biagia da Cesene, ki se je pogosto pritoževal nad goloto upodobljenih figur. Njegova oslovska ušesa so simbol nevednosti.) Zraven pa je barka, ki jo je vozil prevoznik Charon. Z enim gibom vzame grešne duše. Njihov obup in bes sta izražena z izjemno močjo. Levo od barke zeva peklensko brezno - tam je vhod v vice, kjer demoni čakajo na nove grešnike. Zdi se, da se slišijo kriki groze in škripanje z zobmi nesrečnežev.

Zgoraj, zunaj mogočnega cikla, nad dušami, ki čakajo na odrešenje, lebdijo brezkrilni angeli s simboli trpljenja Odrešenika samega. Zgoraj desno lepa in mlada bitja nosijo atribute odrešenja grešnikov. (Smirnova I.A. Monumentalno slikarstvo italijanske renesanse. M .: umetnost, 1987)

Zaključek

V tem eseju je bila Michelangelova freska "Poslednja sodba" obravnavana v primerjavi z ikono "Poslednja sodba" (1580). Tako ikona kot freska sta napisani na isti ploskvi - drugi Kristusov prihod in strašna sodba nad grehi človeštva. Imajo podobno sestavo: Kristus je upodobljen v sredini, apostoli pa se nahajajo na njegovi levi in ​​desni roki. Bog je nad njimi. Pod Kristusom so grešniki, ki jim je obljubljen pekel. Obe sliki sta v obratni perspektivi. Toda hkrati so v ikoni uporabljene manj svetle barve kot na Michelangelovi freski. Na ikoni je veliko simboličnih podob (dlan z dojenčkom - "pravične duše v božji roki", tukaj pa tehtnice - to je "merilo človeških dejanj").

V sodobnem času je bilo ustvarjanje teh del priljubljeno med ljudmi z eshatološkimi nazori, zato so te podobe upravičile svoj namen ne prestrašiti človeštva, temveč jim posredovati idejo o pravičnem življenju, podobnem zemeljskemu brezgrešnemu življenju Jezus Kristus.

Seznam uporabljene literature

1. Hall D. Slovar ploskev in simbolov v umetnosti. M, 1996

2. "O jeziku pravoslavne ikone." Arhimandrit Rafael (Karelin) 1997

3. Smirnova I.A. Monumentalno slikarstvo italijanske renesanse. M.: Vizualne umetnosti, 1987

4. Buslaev F.I. Podobe poslednje sodbe po ruskih izvirnikih // Buslaev F.I. dela. T. 2. Sankt Peterburg, 1910.

5. Alekseev S. Vidna resnica. Enciklopedija pravoslavnih ikon. 2003

Gostuje na Allbest.ru

Podobni dokumenti

Zgodba o poslednji sodbi. Splošne informacije o razlikah med sliko in ikono. Kompozicija oltarne freske Sikstinske kapele Michelangela Buonarrotija "Poslednja sodba". Značilnosti ikone Poslednje sodbe. V perspektivi naprej in nazaj. Chiaroscuro in barvna simbolika.

povzetek, dodan 18.03.2012


Analiza umetnosti in humanizma v Firencah v času Lorenza Veličastnega. Biografija in delo Michelangela Buonarrotija. Psihološka struktura osebnosti in ideje mojstra, značajske lastnosti njegovih kipov in slik. Slikanje v Sikstinski kapeli v Vatikanu.

diplomsko delo, dodano 10.12.2017


Študija značilnosti dela Michelangela Buonarrotija - italijanskega kiparja, slikarja, arhitekta, pesnika. Posebnosti ustvarjalnosti dobe Visoka renesansa. David. Znana freska iz Sikstinske slike Michelangela - Stvarjenje Adama.

predstavitev, dodana 24.10.2014


kratka biografija Michelangelo Buonarotti - veliki kipar in umetnik. Njegovi ustvarjalni dosežki: skulpture Vakhka in Pieta, marmorna podoba Davida, freske "Bitka pri Kašinu" in "Bitka pri Anghiarju". Zgodovina poslikave v Sikstinski kapeli.

predstavitev, dodana 21.12.2010


Biografija, videz in značaj Michelangela Buonarrotija (1475-1564) - velikega genialnega arhitekta renesanse v Italiji, pa tudi opis zgodnjih in poznih, dokončanih in nedokončanih del. Analiza odnosa med Michelangelom in Vittorio Colonno.

povzetek, dodan 14.11.2010


Kultura avtohtonih ljudstev Italije in njenih predhodnic. Obdobja zgodovine Italijanska kultura. Delo Leonarda da Vincija. Podoba mlade florentinske Mona Lise. Michelangelova stropna slika v Sikstinski kapeli v Vatikanu.

predstavitev, dodana 14.01.2014


Glavni dogodki v biografiji Michelangela Buonarrotija - italijanskega kiparja, slikarja, arhitekta in pesnika. Ustvarjalno izražanje idealov visoke renesanse in tragičnega občutka krize humanističnega pogleda na svet v obdobju pozne renesanse.

povzetek, dodan 12.11.2011


Študij zgodovine gradnje Sikstinske kapele - nekdanje hišne cerkve v Vatikanu. Opisi dvorane z ovalnim obokom, prizori iz Geneze, ki se nahajajo od oltarja do vhoda. Konklavi v kapeli. Cikel Michelangelovih fresk, ki krasijo strop.

predstavitev, dodana 23.04.2013


Duhovno in moralno ozračje Italije XIV-XVI. Analiza nastajanja Buonarrotijevega dela in njegove refleksije v sodobni družbi. Psihološka struktura Michelangelovih idej. Analiza odnosa genija do moči. Mojstrovine rezalnika in čopiča. pesniška zapuščina.

diplomsko delo, dodano 29.04.2017


Analiza umetniška ustvarjalnost Leonardo da Vinci v delih ruskih znanstvenikov. Biografski podatki o titanu renesanse. Sestava in zaplet freske "Zadnja večerja". Prispevek velikega umetnika in znanstvenika k razvoju svetovne kulture, znanosti in tehnologije.